Oliver Boo lanza "Acá Estamos", un nuevo single que, presenta ciertos momentos destacables. Este es el segundo adelanto de su próximo álbum, donde el compositor de Buenos Aires explora temas como el paso del tiempo y la reconexión con personas del pasado. La letra intenta evocar emociones de nostalgia y esperanza, pero se siente algo predecible, sin aportar demasiado en términos de originalidad o profundidad lírica.
Musicalmente, la canción juega con un contraste entre riffs de guitarra más enérgicos y estrofas melódicas. Sin embargo, esta fórmula resulta algo repetitiva y no termina de ofrecer un giro interesante que atrape por completo al oyente. A pesar de los intentos de equilibrar lo melódico con lo rítmico, "Acá Estamos" no alcanza el impacto emocional que parece buscar.
El videoclip, que acompaña el lanzamiento, refleja un viaje nocturno en auto, simbolizando los altibajos de las relaciones. Aunque la idea detrás de la narrativa visual tiene potencial, la ejecución es bastante lineal y no logra transmitir toda la carga emocional que se espera de la historia que intenta contar. Cabe destacar las actuaciones y la dirección para contar algo en el final que intenta sorprender.
Oliver Boo, con 25 años y dos álbumes previos, ha demostrado tener un enfoque introspectivo en su música, pero con "Acá Estamos" no consigue superar sus trabajos anteriores ni aportar algo realmente nuevo a su estilo. Si bien ha generado cierto interés con su anterior single "Hablar de Vos", este nuevo adelanto deja una sensación de que aún tiene espacio para evolucionar y ofrecer algo más sólido en sus próximos lanzamientos.
Cuando se habla del éxito de grandes artistas, pocas veces se reconoce el trabajo invisible detrás de las cámaras. Mariana Salazar Serrano, vocal coach colombiana, ha moldeado el sonido de algunos de los nombres más importantes de la música actual. Su labor, más allá de la formación técnica, ha sido clave en la construcción de las carreras de figuras como Juanes, Sebastián Yatra, Morat, Andrea Echeverry, y otros nombres reconocidos en la escena internacional.
Su enfoque no es solo vocal, sino integral: Mariana combina técnicas de entrenamiento vocal con la salud mental y el bienestar emocional, temas esenciales para la longevidad de un artista en la industria musical contemporánea. Esto se refleja en su paso por escenarios como los Latin Grammy y Viña del Mar, donde sus artistas brillaron, respaldados por su dedicación y precisión técnica.
Inspirada por el legendario Ron Anderson, entrenador vocal de estrellas como Alicia Keys y Axl Rose, Mariana perfeccionó su arte en Estados Unidos. Allí, bajo la tutela de Anderson, absorbió un estilo de enseñanza que combina el perfeccionismo técnico con un enfoque humano y personalizado, llevándola a crear su propio estudio en 2012, que desde entonces se ha convertido en un faro para artistas emergentes y consagrados.
Es precisamente en estos espacios de crecimiento donde la figura de Mariana se vuelve crucial para entender la carrera de artistas en pleno ascenso. En un mundo donde la competencia es feroz, su capacidad para detectar y potenciar la esencia única de cada voz, permite que artistas como Joaquina o Riza no solo brillen técnicamente, sino que conecten emocionalmente con su público. Además, su contribución a la composición, como en el caso del próximo álbum de Sebastián Yatra, demuestra su versatilidad y profundidad en el mundo de la música.
El impacto de Mariana Salazar en la industria musical no se limita a los escenarios. Ha trabajado en producciones televisivas y cinematográficas, incluyendo su colaboración en “Betty La Fea” para Amazon Prime y giras internacionales de artistas como Enrique Iglesias y Ricky Martin. Su participación tras bambalinas es la columna vertebral que sostiene las actuaciones de estas superestrellas.
Pero quizás lo más fascinante de Mariana no sea solo su currículum repleto de estrellas y premios, sino su visión social y su vocación de servicio. A través de la fundación Anna, ha trabajado en la reinserción social de personas en situación de calle, utilizando la música como una herramienta de transformación personal.
Es esta mezcla de técnica impecable, compromiso social y una profunda comprensión de las emociones humanas lo que convierte a Mariana en una figura única en la industria musical. Con más de una década de experiencia y una lista de logros que sigue creciendo, Mariana Salazar es una de esas artistas detrás de los artistas, una fuerza silenciosa y poderosa que, con cada nota afinada, está redefiniendo lo que significa tener éxito en la música hoy.
En un mundo donde la música sigue siendo uno de los canales más poderosos de expresión y conexión, Pacífica, el dúo argentino compuesto por Inés Adam y Martina Nintzel, vuelve a robarse las miradas con su nuevo EP, "Freak Scene (live)". Este 26 de septiembre, el conjunto lanzó un registro en vivo que capta toda la intensidad y emoción que sus shows en Norteamérica y Europa han generado en el último año.
Poderoso y energético, "Freak Scene (live)" es un testimonio fiel de la evolución artística de Pacífica. Su anterior trabajo de estudio ya había cautivado tanto a críticos como a fans alrededor del mundo, pero este EP va un paso más allá, mostrando una banda en pleno redescubrimiento y adaptándose al formato en vivo.
"El tour lo cambió todo para nosotras. Se siente como si las canciones tomaran una nueva vida frente al público. Tuvimos que aprender a dar shows y nos enamoramos de la energía que se comparte en el escenario", comparten las músicas, destacando la profunda conexión que ahora sienten con sus propias creaciones.
La grabación de "Freak Scene (live)" no fue un simple proceso de captura. En las palabras de las artistas, este EP es el resultado de la crudeza y el dinamismo que adquieren sus composiciones en directo. "Grabamos en el techo del lugar donde ensayábamos, donde pasamos mucho tiempo aprendiendo y creciendo. Sentimos que logramos capturar esa energía y habilitarla para todos aquellos que no pudieron asistir a nuestros shows", comenta el dúo.
Entre los seis temas originales que conforman este EP, se encuentra un regalo especial para sus seguidores: una reversión del clásico "Take on Me", de A-ha. Con esta elección, Pacífica no solo rinde homenaje a la icónica banda de los años 80, sino que demuestra su versatilidad al adaptar un tema tan emblemático a su estilo fresco y vibrante.
El ascenso de Pacífica ha sido meteórico. Desde su formación, nacida a raíz de un encuentro virtual en la era de la globalización, Inés Adam y Martina Nintzel han recorrido un camino impresionante. Lo que comenzó como una sugerencia de un internauta, hoy es uno de los proyectos más destacados de la escena musical argentina.
"Freak Scene (live)" ya está disponible, y promete ser una nueva muestra del potencial de Pacífica para perdurar en el tiempo. Con este lanzamiento, la banda reafirma su inagotable creatividad y su capacidad para transmitir emociones a través de cada acorde.
Para quienes deseen sumergirse en la propuesta de Pacífica, pueden disfrutar del cover de "Take on Me" en YouTube y escuchar el EP completo en plataformas digitales.
Pacífica está aquí para quedarse, y "Freak Scene (live)" es la prueba definitiva de ello.
Tras el lanzamiento de los singles "Locura" y "Paraíso", Carolina Donati revela su tercer álbum de estudio, titulado "ME FUI DE LA FIESTA". Este nuevo trabajo de la cantante y compositora argentina incluye ocho canciones de pop-rock cargadas de energía y sensibilidad, donde la nostalgia y el optimismo se entrelazan a lo largo de toda la obra.
Con un estilo sincero y personal, Carolina Donati expone en sus letras las contradicciones, inseguridades y pensamientos más íntimos. "ME FUI DE LA FIESTA" sigue el legado sonoro de sus discos anteriores, pero permite a la artista explorar nuevas facetas y formas de expresión, sin limitarse a una sola dirección.
La fiesta, como tema recurrente en el álbum, aparece tanto en sentido literal como metafórico, convirtiéndose en el escenario desde donde Donati narra sus historias. El tema que da nombre al disco abre con un acople de guitarra distorsionada, presentándose como una súplica de amor cargada de ternura y despecho. "Locura" y "Paraíso" completan la primera parte del álbum, ofreciendo un sonido potente y rockero que refleja una entrega total al deseo y a la emoción.
El disco incluye separadores que permiten pequeñas pausas creativas, destacando la versatilidad de Donati, que va desde un auto-tune robótico en "MD" hasta un sonido lo-fi crudo en "Y". En la segunda mitad, canciones como "Enero" y "Hasta el final" introducen más elementos electrónicos, destacando la importancia del entorno y los amigos en la vida cotidiana de la artista.
Finalmente, el álbum cierra con "Corazón", una emotiva balada que deja una sensación de fragilidad y cambio, donde la realidad se impone sobre las ilusiones. La canción termina por desarmar la historia amable que había comenzado y marca el inicio de una nueva etapa, tanto para Donati como para su música.
"ME FUI DE LA FIESTA" está disponible en todas las plataformas y ya se puede disfrutar en YouTube: youtu.be/cWp4Br75QVk
Escucha "ME FUI DE LA FIESTA" en las plataformas ditto.fm/me-fui-de-la-fiesta y en Spotify: spotify.com/prerelease/6pwDAEJ88NGt8fWCnnwTMm
Para escuchar y descargar "Paraíso", haz clic AQUÍ.
Tracklist:
1. ME FUI DE LA FIESTA (0:00)
2. LOCURA (2:38)
3. PARAISO (5:36)
4. Y (7:52)
5. ENERO (9:01)
6. HASTA EL FINAL (11:36)
7. MD (14:22)
8. CORAZÓN (14:56)
Ficha Técnica:
Todas las canciones fueron compuestas por Carolina Donati (letra y música), excepto "Paraíso", junto a El Féral, y "Enero", junto a El Féral y Cherno Rojkin.
Producción y grabación: Polska
Batería: Rodrigo Humeres
Coros: Gordakota
Guitarras y voz: Carolina Donati
Mix: Javier Bañuelos
Mastering: Dylan Lerner
Arte de tapa: Jael Diaz Vila
Agenda:
Carolina Donati presenta "ME FUI DE LA FIESTA" en el Centro Cultural Thames, Thames 1426, Palermo, C.A.B.A.
Miércoles 30 de octubre de 2024, 20:00 hrs.
DJs, live performances, las mejores personas, y un lugar inolvidable. No te la pierdas.
En el vasto escenario de la música argentina, una banda ha comenzado a brillar con fuerza y autenticidad: Gema Rosa. Formada hace cuatro años por Fran Bellini y su hermano Gabriel, esta agrupación ha recorrido un camino lleno de experimentación y descubrimiento. La historia detrás de su nombre, un guiño a las gemas que adornan la vida, refleja su búsqueda constante de significado y conexión en cada acorde y letra que producen. Gabriel, aunque no había tocado antes, se aventuró al bajo, transformando una idea en una melodía, un viaje que, aunque breve, sentó las bases de una banda en constante evolución.
Las influencias musicales que nutren su creatividad son un mosaico sonoro: desde los inconfundibles Beatles hasta el inigualable Charly García, pasando por el hard rock de Led Zeppelin y la mística de Soda Stereo. Su estilo ha mutado con cada disco; del pop melódico del primer álbum al hard rock del más reciente, "Buscando algo más". Esta evolución no es solo un cambio de sonido, sino una reflexión sobre su propio crecimiento personal y artístico, donde cada álbum se convierte en un capítulo distinto de su historia colectiva.
El proceso creativo de Gema Rosa es íntimo y personal. Fran, en soledad, se sienta con su guitarra o piano, dejando que los acordes fluyan, dando vida a líneas melódicas que luego se transforman en letras. Cada tema es seleccionado meticulosamente, buscando una coherencia conceptual que invite al oyente a sumergirse en un universo sonoro donde la búsqueda de identidad y pertenencia se convierten en la voz de quienes lo escuchan.
"Buscando algo más" es un mantra que encapsula la esencia de su música. En él, las diez canciones exploran temas de amor, reflexión personal y el anhelo de pertenecer, resonando con aquellos que se sienten perdidos en un mundo caótico. Fran anhela que sus oyentes encuentren en sus letras un reflejo de sus propias experiencias, una conexión que trasciende el simple acto de escuchar.
La experiencia en vivo de Gema Rosa es un viaje catártico. Los integrantes saben que cada actuación es una oportunidad para construir una conexión profunda con su audiencia. Recuerdan un concierto en particular, donde el público comenzó a bailar, un momento que les recordó el poder de su música para unir y elevar espíritus. La energía del escenario se transforma en un diálogo entre ellos y sus seguidores, donde cada acorde es un latido compartido.
Como banda, enfrentan desafíos constantes, pero su mayor lucha es la originalidad. En un mundo musical que tiende a repetirse, Gema Rosa se esfuerza por evitar caer en la trampa de la complacencia. Se sienten orgullosos de haber lanzado tres discos y dos sencillos, cada uno marcando un hito en su desarrollo. Pero el verdadero objetivo, como ellos mismos dicen, es vivir de su música. A pesar de las dificultades socioeconómicas que enfrenta Argentina, su pasión por crear sigue siendo el faro que guía su camino.
La autenticidad es el núcleo de su identidad. Se esfuerzan por ser originales en un mercado diverso, donde cada melodía busca un lugar único. Su sonido, que ellos definen como "continuidad con cambio", refleja esa búsqueda de fusionar estilos mientras se mantienen fieles al rock que los inspira. Canciones como “Sinergia” y “Encuentro Casual” son ejemplos perfectos de esta fusión, donde la continuidad y la innovación coexisten en armonía.
En el álbum "Buscando Algo Más", la banda cuenta con la colaboración de Juan Rodríguez en la batería. Rodríguez, un destacado baterista del rock argentino, ha sido parte de bandas icónicas como Sui Generis y Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. Su vasta experiencia y habilidad aportan una profundidad única al sonido de Gema Rosa, elevando cada tema a nuevas alturas. Con una trayectoria que se remonta a sus inicios en Santiago del Estero, Rodríguez no solo aporta su virtuosismo, sino también una conexión con la rica historia del rock nacional.
Gema Rosa está compuesta por:
- Guitarras y voces: Fran Bellini
- Bajos: Alejandro Bellini
- Baterías: Juan Rodríguez
- Teclados: Verónica Bardy y Ariel Martín Rolando
Gema Rosa es un movimiento. Un llamado a aquellos que, como ellos, buscan algo más en la vida. Con planes de giras y nuevas canciones en el horizonte, Fran y sus compañeros están decididos a seguir expandiendo su alcance. En un mundo que a menudo se siente dividido, su música se erige como un puente, invitando a todos a unirse en esta celebración de la vida, el amor y la búsqueda de identidad.
Así, mientras el eco de sus melodías resuena en los corazones de sus seguidores, Gema Rosa continúa su viaje. Y, en cada acorde, nos recuerdan que, a pesar de las adversidades, siempre hay algo más por descubrir.
El 18 de septiembre marca una fecha crucial para los amantes de las nuevas canciones de artistas emergentes. Héctor Tamburi, conocido anteriormente como Ekhtronic, se reinventa bajo el alias Avedorada con el lanzamiento de su primer EP, "Nueva Era". Un proyecto que refleja su capacidad camaleónica para explorar estilos y redefinir su identidad artística, esta vez en español.
El punto de partida para esta aventura sonora es el videoclip del sencillo "Nueva Era", dirigido por la talentosa Salomé Vorfas. La colaboración entre Avedorada y Vorfas no es casual. Ambos ya habían trabajado juntos en sesiones fotográficas que integraban elementos visuales poderosos, como una cabeza de toro pintada, evocando la mitología de Asterión. Inspirados en relatos de Borges y Cortázar, concibieron un universo onírico y surrealista donde Asterión, reinterpretado como un nahual, se mueve en un sueño distorsionado por los caprichos de la inteligencia artificial (IA).
Un Viaje Visual y Sonoro: El Uso de IA en el Arte
Vorfas, la directora del videoclip, aprovechó la IA para crear imágenes que combinan lo humano y lo fantástico. Utilizando fotos del músico y paisajes montañosos, generaron un collage digital que luego fue animado. El resultado es un experimento visual que trasciende los límites tradicionales del arte, permitiendo una visión alternativa sin recurrir a grandes producciones ni dañar animales, un mensaje contundente en tiempos donde el arte muchas veces se ve atrapado por las modas y la mercantilización.
En palabras de la propia directora: Este experimento me ha dado una nueva perspectiva sobre cómo evaluar estas herramientas en esta nueva era. Este uso experimental de la IA subraya la naturaleza futurista del proyecto de Avedorada, quien también comparte una visión inquietante sobre el futuro, los límites entre lo humano y lo digital, y el rol del arte en esta era de transformación.
El Renacimiento de Héctor Tamburi como Avedorada
El EP "Nueva Era" no solo marca el debut de Avedorada, sino también una profunda transición en la carrera de Héctor Tamburi. Nacido en Nueva York y radicado en Mendoza, sus inicios musicales fueron con letras en inglés, pero este nuevo proyecto abraza su identidad hispanohablante. Desde sus primeras incursiones en el hardcore, pasando por el punk, hasta su consolidación como Ekhtronic, Tamburi ha demostrado una capacidad innata para reinventarse.
Su música, una mezcla de influencias que van desde Tame Impala hasta Phoenix y Frank Ocean, ha sido calificada como atemporal. El mismo Tamburi ha descrito su proceso creativo como una especie de juego con Ableton Live: La gente juega videojuegos, y yo juego con Ableton. Me divierte. Este enfoque lúdico ha dado lugar a una discografía diversa que abarca desde "The New Perfect Body" (2009) hasta "Península" (2019), donde colaboró con Carlos "Tody" Tapia, bajista de Turf.
La prensa ha recibido con mucho entusiasmo el primer EP de Avedorada, con elogios de medios como Música del Garage, Arsnotoria y Vorterix Santa Rosa, quienes destacaron la frescura y originalidad del proyecto.
El Futuro de Avedorada
El lanzamiento del video de "Nueva Era" es solo el primer paso en la nueva etapa de Avedorada. Como Tamburi ha mencionado anteriormente, su interés por el cine y el arte visual se ha manifestado en proyectos anteriores como "I’m so into you", un videoclip inspirado en Kubrick que presentó en La Tangente. Ahora, con la colaboración de Vorfas y el uso innovador de la IA, su visión artística se amplía aún más, prometiendo futuras sorpresas.
Este es solo el comienzo de lo que promete ser un viaje fascinante en la carrera de Avedorada. Mantente atento a su evolución, porque si algo es seguro con Héctor Tamburi, es que nunca deja de sorprender.
Explora más sobre Salomé Vorfas en su Instagram y descubre el universo visual detrás del video de "Nueva Era".
En el vasto océano de la música independiente, a veces surgen colaboraciones que desafían el tiempo y el espacio, creando un eco que reverbera en cada rincón de la cultura pop. Este es el caso de *Isla de Caras*, el quinteto porteño que, justo antes de embarcarse en su gira por México, ha lanzado una colaboración con el dúo mexicano Clubz, titulada "Fugazi". Este sencillo no solo sirve como adelanto del nuevo material de Clubz, sino que marca un hito en la unión de dos escenas musicales vibrantes y conectadas por un lenguaje común: la emoción.
El lanzamiento de "Fugazi" llega en un momento clave para ambos proyectos. Mientras Isla de Caras sigue saboreando el éxito de su presentación en el emblemático Teatro Coliseo y un recorrido breve pero intenso por el norte de Argentina, Clubz se prepara para su tour por el país en septiembre, destacándose una parada especial en Buenos Aires. **Nuevas canciones y lanzamientos siempre generan expectativa, pero esta pieza se siente particularmente significativa por su capacidad para fusionar la vitalidad de los argentinos con la frescura electrónica de los mexicanos.
Lo que destaca en "Fugazi" no es solo la potencia de sus sonidos, sino la química palpable entre las voces de Lautaro Cura (Isla de Caras), *Coco Santos* y *Orlando Fernández* (Clubz). Estos artistas logran trazar un mapa sonoro que oscila entre la introspección y el desenfreno, capturando una mirada cruda sobre la vida y sus enredos, mientras mantienen una estética minimalista y vanguardista que refleja el alma de ambos proyectos.
Con una lírica que invita a la reflexión y una producción que destila calidez y dinamismo, "Fugazi" promete consolidarse como un himno para quienes buscan nuevos caminos en la música latinoamericana. Esta es una colaboración que celebra no solo el talento de los artistas, sino también el poder de las nuevas canciones y lanzamientos como motor de la evolución musical.
Si querés esta experiencia en vivo, no te pierdas a Clubz en Buenos Aires, el jueves 19 de septiembre a las 21:00 hs, en Camping (Av. Libertador 999, Recoleta). Las entradas anticipadas ya están disponibles en campingtickets.
En la vasta constelación del nu-gaze argentino, un nombre resuena con la intensidad de un cometa que cruza los cielos nocturnos: Zoe Mya. Su nuevo videoclip, "Lejos de Acá", no es solo una obra audiovisual, es un portal hacia otro mundo, un rincón donde la música y la imagen se entrelazan en una danza hipnótica de luz y sombra. Grabado en el mítico escenario de La Tangente, cada fotograma es un susurro de la noche, una confesión de las emociones que bullen tanto sobre las tablas como en el alma del público que la acompaña.
"Lejos de Acá" es más que un título; es una declaración de intenciones. Es el anhelo por un refugio que existe más allá de lo cotidiano, un rincón en el universo donde la paz es posible. En este primer track de su álbum *En Otro Lugar del Mundo*, Zoe nos lleva de la mano en un viaje de liberación, donde cada acorde es una chispa que incendia lo conocido, abriendo caminos hacia nuevos horizontes.
El videoclip, dirigido por la misma Zoe Mya, con la colaboración visual de @quienescconstanza y @joacogen en la edición, captura no solo la esencia de la canción, sino también la magia del momento. Es un testimonio visual de una noche en la que el tiempo pareció detenerse, donde la realidad se diluye para dar paso a un mundo construido por las notas de una guitarra y el pulso de una batería rebelde.
Zoe Mya se consolida como una de las voces más auténticas del nu-gaze argentino, tejiendo con maestría melodías etéreas que, sin embargo, llevan el peso de una historia profunda, de una nostalgia que no se resigna a ser melancolía. Su música ha recorrido durante este 2024 los escenarios más emblemáticos del underground argentino, desde los barrios porteños hasta la costa atlántica, construyendo un puente sonoro que conecta su universo personal con el de sus seguidores.
Con *En Otro Lugar del Mundo*, Zoe Mya no solo invita a escuchar su música; nos invita a ser parte de un viaje, a perdernos y reencontrarnos en sus paisajes sonoros. Y tal vez, al final de ese viaje, también nosotros encontremos nuestro "lejos de acá".
En la encrucijada de la música independiente, donde convergen pasión, talento y la inquebrantable búsqueda de autenticidad, se erige Koino Yokán, un dúo que ha sabido esculpir su nombre en la vasta geografía del sonido contemporáneo. Formado en 2018 por Toto y Jere, Koino Yokán no solo ha sobrevivido a la vorágine de la industria musical, sino que ha prosperado, estableciéndose como una de las propuestas más frescas y emotivas del panorama musical argentino.
El Ascenso Imparable: De las Provincias a los Escenarios Internacionales*
Con un millón de oyentes mensuales en Spotify y millones de reproducciones en YouTube, Koino Yokán ha logrado lo que muchos artistas emergentes solo sueñan: figurar entre las 100 canciones más escuchadas de Argentina y Uruguay. Este reconocimiento no es casual; es el fruto de un arduo trabajo y de una conexión profunda con su audiencia. En los últimos meses, el dúo ha recorrido el mundo, llevando su música desde México hasta España, pasando por Chile, Uruguay y casi todas las provincias argentinas, agotando entradas en cada parada de su gira.
Un Show Único y el Lado Íntimo de Koino Yokán
El 12 de octubre, Koino Yokán se prepara para ofrecer un espectáculo singular en el Complejo Art Media de Buenos Aires. Este no será un concierto ordinario, sino una experiencia inmersiva donde los fans podrán disfrutar de su música en un entorno íntimo y personal. La elección del "campo" como único espacio para los espectadores promete una conexión directa y sin barreras, creando un "mar de gente" que, como ellos mismos dicen, será parte esencial del show.
Pero el viaje no termina aquí. Koino Yokán ha lanzado recientemente su single "Cambiando La Mirada", una emotiva dedicatoria al primer hijo de Toto que está por nacer. Este tema, que ha resonado profundamente entre sus seguidores, se ha convertido en un éxito viral en solo dos meses. Además, el dúo está a punto de editar su esperado álbum en vivo, grabado en el icónico Gran Rex, un hito más en su ascendente carrera.
"La Sobremesa": Un Portal a la Intimidad Musical
Como si todo esto fuera poco, Koino Yokán nos invita a un nuevo proyecto: "La Sobremesa". Este portal de sesiones en vivo, disponible en YouTube, nos lleva a un espacio donde la música y la camaradería se encuentran. En su primer episodio, el dúo se une a Cruzando el Charco para compartir una velada entre vinos, cafés y guitarras, interpretando versiones acústicas de sus temas más icónicos. Esta serie de colaboraciones continuará con la participación de artistas como Silvestre y la Naranja, El Zar, Los Pericos y Gauchito Club, prometiendo momentos únicos de conexión y creatividad.
Koino Yokán es más que un dúo; es un fenómeno que redefine los límites de la música independiente, llevando su mensaje a través de fronteras y corazones. Su próxima presentación el 12 de octubre será, sin duda, un capítulo inolvidable en una historia que recién comienza.
En un rincón del tiempo, donde convergen las voces ancestrales de un tambor y los ecos eléctricos de la modernidad, Julieta Rada emerge como un faro de la música contemporánea. Su último single, *Adiós a la Rama*, es un testamento a su capacidad de fusionar lo antiguo y lo nuevo, llevando consigo las raíces afro-uruguayas y una visión fresca que resuena en cada nota.
Este segundo adelanto de su próximo álbum, titulado *Candombe*, es más que una simple canción. Es un diálogo entre generaciones, donde la voz inconfundible de Fito Paez se une a la de Julieta para reimaginar una obra clásica de Rubén Rada, su padre. La producción de Juan Chiavassa y los arreglos de Leo Genovese logran una sonoridad contemporánea que, sin perder la esencia del candombe, conecta con audiencias que buscan en la música un refugio y una revelación.
El cuarto disco de Julieta, que verá la luz a finales de septiembre, es un homenaje a sus raíces y un manifiesto artístico que explora la riqueza del candombe, integrando elementos de R&B y pop en una sinergia perfecta. En él, se puede sentir la textura de los tambores, la fuerza de los instrumentos y la calidez de las voces que se entrelazan en una danza de sonidos.
Julieta, una de las artistas emergentes más prometedoras de la escena musical actual, no es ajena a la industria. Desde su debut con *Afrozen* en 2012, ha recorrido un camino que la ha llevado a colaborar con figuras como Dante Spinetta, Hugo Fattoruso, y ahora Fito Paez. Su trayectoria, marcada por premios como los Latin Grammys y los Gardel, la posiciona como una fuerza imparable, que no solo respeta sus raíces sino que también las lleva hacia un futuro lleno de posibilidades.
En el programa *Artistas Emergentes* de FM de las Sierras, que se emite de lunes a viernes a las 11 de la mañana, *Adiós a la Rama* será una de las joyas que resonarán en el aire, acercando a los oyentes de Tornquist y del mundo—gracias a la transmisión online—la esencia de una artista que sigue redefiniendo el candombe.
Para quienes buscan descubrir los nuevos talentos de la música independiente, Julieta Rada es un nombre que debe estar en sus listas. Su capacidad para reinterpretar la tradición y su innegable talento la sitúan entre las figuras que, sin duda, marcarán la pauta en los años por venir.
En un rincón del vasto mapa sonoro de Argentina, Agustín Dettbarn emerge con un disco que lleva su propio nombre, "Dettbarn". Este título es una declaración de principios, una carta de presentación que resume años de búsqueda, de lucha y de crecimiento en la música independiente.
Dettbarn, un nombre que ahora resuena con fuerza en el circuito de artistas emergentes, ha sabido tallar su identidad con paciencia y precisión. Luego de conquistar escenarios en La Plata y Quilmes, su voz y su guitarra han trazado un camino que lo llevará a la mítica sala de Niceto Club en Buenos Aires, donde el 6 de septiembre presentará oficialmente su nuevo disco.
"Dettbarn" es un conjunto de ocho canciones, un mosaico de sonidos que abarca desde el rock hasta la música urbana, pasando por influencias tan diversas como el pop y el folk. Cada tema es un fragmento de la esencia de Dettbarn, meticulosamente producido y arreglado junto a Matias J Olmedo, en el acogedor Estudio El Zumbido. Desde la intensidad de "5 Minutos", con la colaboración de Superpiba, hasta la delicadeza de "Mandarine", producido por Gabriel Luch, cada canción ofrece una perspectiva distinta del universo sonoro que Agustín ha creado.
Detrás de este álbum, hay un equipo comprometido: Matías J Olmedo en la producción, Facundo Lizondo grabando baterías en Mirifico, y Lucas Gomez en el masterizado, todos colaboran para dar vida a una obra que refleja tanto la precisión técnica como la pasión artística. Las imágenes que acompañan este lanzamiento, obra de Pau Vazquez Presta y Agu Alcora, son el complemento visual perfecto para la música, fusionando arte y sonido en un solo concepto.
La historia de Dettbarn como solista comenzó en 2021, un salto al vacío después de 18 años siendo parte de bandas como Cinemática y Esa Extraña Forma. Su primer lanzamiento, "Vestido", fue un adelanto de lo que estaba por venir: un estilo que combina el intimismo del cantautor con la energía de una banda en pleno vuelo. Luego, en 2022, "Desnudo" trajo una colección de canciones acústicas, un reflejo más profundo y personal que capturó la atención de la escena platense.
Dettbarn no se ha quedado en la grabación; ha llevado su música a los escenarios, donde la dualidad de su propuesta se manifiesta en formato eléctrico y acústico. Su versatilidad lo ha llevado a recorrer desde pequeñas salas en La Plata hasta el imponente Teatro Astral en Buenos Aires, siempre con la misma entrega y pasión.
Con "Dettbarn", Agustín se consolida como una de las voces más prometedoras de la música independiente argentina. Su nuevo disco es un viaje sonoro que invita a descubrir lo mejor de la escena emergente, donde cada canción es una puerta a un mundo nuevo, lleno de historias y emociones.
Así que, si estás buscando a los próximos artistas que definirán la música de esta generación, no busques más. "Dettbarn" es una parada obligada en tu exploración de la música independiente. No te pierdas la presentación en vivo el 6 de septiembre en Niceto Club, donde la promesa se convertirá en realidad.
En la vasta y efervescente escena de la música independiente, donde los sonidos se entrelazan con emociones crudas y versos íntimos, emerge Oliver Boo, un joven artista que, con solo 25 años, ha sabido plasmar su mundo interior en cada nota y palabra. Su más reciente lanzamiento, “Hablar de Vos”, es un adelanto de lo que promete ser un nuevo capítulo en su carrera, lleno de la intensidad y la introspección que lo caracterizan.
Hablar de Vos: Un Viaje Entre la Confusión y la Esperanza
En “Hablar de Vos”, Oliver Boo nos invita a recorrer los sinuosos caminos de la mente humana, donde el miedo y la determinación libran una batalla constante. Este single, que se inscribe en la continuidad de su estilo rockero pero con un renovado aire post-punk, no solo captura la esencia de sus trabajos anteriores, sino que también marca una evolución en su sonido. La canción es un reflejo de la lucha interna que muchos enfrentamos: la presión de las expectativas externas y la búsqueda de equilibrio entre el caos y la serenidad.
Los versos de “Hablar de Vos” resuenan como un eco de las inseguridades que todos enfrentamos, pero con una luz al final del túnel, un tinte esperanzador que, sin dudas, tocará una fibra profunda en aquellos que lo escuchen. Es una melodía que, entre la confusión y el deseo, logra conectar de manera directa con el oyente, haciéndolo sentir comprendido y acompañado.
Oliver Boo: El Nuevo Exponente de la Música Emergente
Originario del oeste de Buenos Aires, Oliver Boo ha forjado su camino en la escena alternativa, dejando su huella con cada lanzamiento. Desde sus inicios con “Asincrónico” en 2022, seguido de “Incendios Invisibles” en 2023, este joven compositor ha demostrado una capacidad única para transformar la introspección en arte. Su lírica, profundamente influenciada por las corrientes alternativas, navega entre lo agridulce y lo existencial, siempre buscando nuevos horizontes sonoros.
Oliver no se deja encasillar en un solo subgénero. Sus álbumes son un recorrido por distintos paisajes musicales, donde los poderosos riffs de guitarra se entrelazan con baladas y momentos acústicos que reivindican el formato de la canción tradicional, sin perder el espíritu experimental que lo caracteriza.
El Futuro de Oliver Boo: Un Artista en Plena Ascensión
Con “Hablar de Vos”, Oliver Boo no solo adelanta lo que será su próximo material, sino que también reafirma su lugar en la escena de la música independiente como uno de los artistas emergentes más prometedores de Argentina. Este nuevo single es solo el comienzo de lo que, sin duda, será una carrera marcada por la innovación, la honestidad y una conexión genuina con su audiencia.
Si aún no lo has escuchado, descubre ahora a este joven talento y sumérgete en su mundo de sonidos y emociones. Oliver Boo es, sin lugar a dudas, un nombre que resonará con fuerza en la música independiente de los próximos años.
En un rincón de Buenos Aires, en el corazón de San Miguel del Monte, donde las aguas quietas de la laguna reflejan historias y anhelos, surge una voz que resuena en la vastedad del tiempo: Lettieri. La banda, que lleva el apellido de su fundador, Juan Pablo Lettieri, ha recorrido un sendero musical tan diverso como las culturas y épocas que Borges amalgamaba en sus relatos. Este agosto de 2024, Lettieri lanza su último sencillo, “No me digan”, una obra que trasciende el homenaje y se convierte en un rito de comunión entre la memoria y el olvido.
“No me digan”, lanzado el 15 de agosto, es más que una canción; es un lamento, un acto de resistencia ante la imposición del silencio frente a la pérdida. Escrita al día siguiente de la muerte de Diego Armando Maradona, el ídolo inmortalizado no sólo por sus goles sino por su esencia, la canción encapsula la paradoja de ser aclamado y vilipendiado a la vez, una dicotomía que Maradona encarnó como pocos.
La lírica de Lettieri no se detiene en la superficialidad del tributo fácil. En cambio, ofrece una mirada cruda y reflexiva, presentando a Diego como un monstruo, una figura que provoca incomodidad, no por sus hazañas, sino por su mera existencia en un mundo que preferiría negar su procedencia, su aspecto, su modo de vida. Sin embargo, en esa monstruosidad se descubre también la humanidad más visceral, la que se aferra a sus raíces y a sus convicciones, pese a la adversidad.
La canción se refuerza con la colaboración de Tom Quintans, voz de la banda indie Bestia Bebé, cuya interpretación añade una capa de intensidad que complementa la emotividad de la pieza. “No me digan” no es simplemente un homenaje, es un grito colectivo que resuena en aquellos que se niegan a aceptar la ausencia, en aquellos que ven en Maradona una figura universal, un arquetipo de lo inabarcable.
El videoclip, disponible en YouTube, narra dos historias paralelas que se entrelazan en un solo destino: la noticia de la muerte de Maradona irrumpe en la rutina diaria de un hombre, mientras un grupo de chicos juega al fútbol en un potrero, replicando la imagen primigenia del ídolo, la esencia misma del deporte como refugio y esperanza. Esta dualidad refleja la herencia que Diego dejó en cada rincón del planeta, desde los grandes estadios hasta los humildes potreros.
Lettieri, con una discografía que incluye el LP “Canciones de la laguna” y el EP “Dragón”, sigue explorando los confines de la canción como vehículo de emociones auténticas. En su música convergen el folk, el indie, el pop y las raíces del folklore argentino, creando un paisaje sonoro que invita al oyente a sumergirse en un viaje de introspección y reconocimiento.
Próximos Encuentros:
La banda, que se ha consolidado como un referente del folk pop y del indie en Argentina, presentará “No me digan” en una serie de conciertos que incluyen fechas en la Ciudad de Buenos Aires, La Plata y Tandil, entre otras. Cada presentación promete ser un encuentro íntimo, donde la música y la memoria se entrelazan en un ritual de conexión profunda.
Lettieri: Soldados de la Canción
Lettieri no es solo una banda; es un estandarte de autenticidad y pasión. En cada acorde, en cada verso, late el pulso de un proyecto que, desde su nacimiento en 2017, ha sabido captar la esencia de lo que significa ser un artista independiente en un mundo saturado de artificios. La autenticidad de Lettieri es su carta de presentación, un recordatorio de que la música, en su forma más pura, es un acto de fe y de resistencia.
Con “No me digan”, Lettieri nos invita a recordar, a sentir, y sobre todo, a no ceder ante la indiferencia. Porque, en las palabras de Borges, "Nada se edifica sobre la piedra, todo sobre la arena, pero nuestro deber es edificar como si fuera piedra la arena...". Y así, Lettieri edifica su música sobre el recuerdo, sobre el mito, sobre la vida misma.
Marki, un joven músico argentino, ha lanzado su primer álbum titulado *YASS*. Compuesto por 14 canciones, este trabajo se grabó durante 2023 entre Argentina y Estados Unidos, con la colaboración de varios músicos y productores. *YASS* es un reflejo del estilo ecléctico de Marki, abarcando géneros que van desde el jazz hasta el hip hop y el hard rock, en un intento por capturar la esencia de su diversidad musical.
El álbum tiene una duración de 40 minutos y está acompañado por un cortometraje realizado por Arena Colective. Este audiovisual recorre el concepto de una celebración familiar, dividido en 14 visualizers que complementan cada canción, ofreciendo una experiencia visual y sonora.
Sobre Marki: De Once al Indie Argentino
Nacido en el barrio de Once en 1996, Marki creció rodeado de música gracias a su abuelo italiano, quien le inculcó el amor por los sonidos desde muy joven. Influenciado por la música clásica italiana, así como por bandas anglo y del rock nacional, Marki comenzó a componer a los 12 años y a tocar en diversas bandas durante su adolescencia.
Durante la pandemia, Marki empezó a grabar y compartir sus propias canciones de manera independiente en Spotify, lo que le permitió ganar un pequeño pero fiel grupo de seguidores. Su estilo sincero y directo lo ha llevado a colaborar con otros artistas como Axel Fiks, con quien lanzó "Musikita del Cielo", un hit que resonó en el verano pos-pandemia.
YASS es un paso más en la carrera de Marki, quien sigue explorando nuevos sonidos mientras mantiene su identidad musical intacta.
En el vasto e insondable océano de la música, donde a menudo lo familiar se convierte en brújula para evitar el naufragio, emerge un nuevo horizonte. El 7 de diciembre de 2024, Momento Vainilla presenta su disco debut, "Brújula", una obra que, más que señalar un camino, invita a perderse en él.
Este álbum no es simplemente una colección de canciones, sino un artefacto meticulosamente construido, en el cual convergen la belleza y la oscuridad, lo simple y lo complejo. Desde los primeros acordes, se percibe una fusión de géneros que no obedece a reglas preestablecidas: pop, rock, rap y jazz se entrelazan en una danza sin restricciones, creando un paisaje sonoro que desafía las convenciones.
Cada una de las 11 pistas que componen "Brújula" es una ventana a la esencia mutable y encantadora de la banda. En palabras de sus miembros: “Fueron creadas con el fin de compartirlas con el mundo y que cada uno encuentre en ellas su propio momento vainilla”. Este es un manifiesto artístico que resuena con la idea de que la música, en su más pura forma, es un espacio donde el oyente puede encontrar un refugio personal, una conexión íntima y única.
La producción de este debut estuvo en manos de Ramiro Rodriguez Goitia, un arquitecto del sonido que supo capturar la esencia de la banda, mientras que la mezcla y el master corrieron a cargo de Juan Armani, quien ha pulido cada detalle para que la obra brille en su totalidad. En las canciones cohabitan los eternamente náufragos y aquellos afortunados con tierra a la vista, reflejando la dualidad inherente que atraviesa todo el álbum.
Los adelantos "Cristalino" y "Chispa" ya habían encendido la curiosidad y el entusiasmo de los seguidores de Momento Vainilla, mostrando un adelanto de la energía y frescura que caracteriza a la banda. Ahora, con "Brújula" disponible en todas las plataformas de streaming, la travesía completa se despliega ante nosotros.
"Brújula" no solo es el debut de una banda, sino la cristalización de un momento cultural, un artefacto que captura el zeitgeist de una nueva generación de músicos argentinos que se atreven a desafiar los límites y explorar lo desconocido. En cada nota, en cada palabra, se puede sentir el latido de Buenos Aires, una ciudad que, como Momento Vainilla, oscila entre la claridad y la penumbra, buscando siempre su propio camino en el caos.
Disponible ya en Spotify y otras plataformas, "Brújula" es una invitación a cerrar los ojos, dejarse llevar y descubrir, en la vastedad del sonido, ese momento vainilla que todos llevamos dentro.
En la vastedad del mundo musical, donde las corrientes modernas a menudo erosionan las raíces del pasado, surge un eco del punk rock que se rehúsa a ser silenciado. Ese eco lleva el nombre de Ollie Bend, un artista colombiano que, cual alquimista, ha transformado su experiencia y emociones en una obra que resuena con la fuerza de un trueno: *Sweet Liar*.
Nacido de la introspección y la reinvención, *Sweet Liar* es más que una canción; es un manifiesto de libertad. Ollie Bend, después de migrar a nuevas tierras en Estados Unidos, encontró en el riff inicial de su guitarra Les Paul una nueva voz, un grito de independencia que desafía lo establecido. Ese momento en el que las cuerdas vibraron por primera vez en su nuevo hogar, marcó el inicio de una etapa que no solo redefine su música, sino que también reinventa su espíritu.
La esencia del punk rock, con su inherente actitud de rebeldía, se entrelaza con la modernidad en esta obra. Bend, quien creció bajo la sombra de íconos como Green Day y Blink-182, canaliza esas influencias en un sonido que no es solo nostálgico, sino también evolutivo. *Sweet Liar* emerge como una reflexión sobre el amor descompuesto, una oda al desencanto y a la aceptación de que no todas las batallas valen la pena. Es una invitación a reconocer, en el espejo de las emociones, aquellos sentimientos que se han desgastado con el tiempo.
La producción de la canción, influenciada por el crudo poder de los cabezotes Marshall y la percusión vigorosa que recuerda a Travis Barker, es un tributo al pasado, pero con una mirada fija en el futuro. La letra, cargada de una honestidad brutal, se convierte en un himno para quienes han sentido el peso del amor fallido, pero que se levantan con renovada fuerza.
El videoclip que acompaña a *Sweet Liar* es una obra visual que captura la esencia de Bend en su entorno más puro: el estudio. Allí, entre cables, amplificadores y guitarras, el artista nos invita a ser testigos de su proceso creativo, un viaje íntimo donde cada nota y cada acorde se funden en una sinfonía de punk rock que desafía al tiempo y al espacio.
Con *Sweet Liar*, Ollie Bend no solo celebra un nuevo inicio en su carrera, sino que también reafirma que el punk rock, lejos de estar muerto, sigue siendo la más sincera manifestación artística de rebeldía y verdad. Este sencillo es apenas el preludio de lo que está por venir, una promesa de que la música independiente aún tiene mucho por ofrecer.
Mientras esperamos con ansias el próximo capítulo de este viaje sonoro, *Sweet Liar* se alza como un recordatorio de que, a pesar de los cambios, siempre podemos volver a nuestras raíces, redescubrirnos y, como Bend, renacer con un sonido más potente y auténtico que nunca.
En el laberinto infinito de la música independiente, donde cada nota resuena como un eco en la eternidad, se alza una nueva voz desde Panamá: *Adamant*. Este grupo de rock, nacido del espíritu inquebrantable del guitarrista Christian León, ha comenzado a tejer su propio destino sonoro. Con el lanzamiento de su sencillo "Nueva Rosa", Adamant no solo presenta una nueva canción, sino que insinúa un despertar profundo, un renacer de la consciencia humana.
La historia de Adamant es, en esencia, la de dos almas buscadoras: Christian León y el baterista Jacques Paul Smith. Unidos por la pasión y por proyectos musicales anteriores que no llegaron a buen puerto, decidieron embarcarse en una travesía propia. Fue en este viaje donde la voz de Ian Evers se unió al coro, completando la formación que hoy da vida a Adamant.
Nueva Rosa: Un Manifiesto de la Vida
"Nueva Rosa" es más que una canción; es una meditación sobre la vida misma. Escrita musicalmente por León y con letras de Smith, esta pieza evoca el despertar de una consciencia más amorosa, empática y en sintonía con el universo. A través de sus melodías progresivas, que fusionan elementos de metal y música sinfónica, Adamant logra capturar esa dualidad entre lo terrenal y lo sublime, entre el amor romántico y el amor por el proceso vital.
El lanzamiento de "Nueva Rosa" no solo marcó la primera entrega oficial de Adamant como banda, sino que también sirvió como el catalizador que consolidó su identidad. Este sencillo, que se ofrece en tres versiones—original, radio edit e instrumental—, es una introducción perfecta a la riqueza sonora que el grupo pretende explorar en futuros lanzamientos.
Un Viaje Musical para Todos los Oídos
En un mercado musical saturado por lo efímero y lo superficial, Adamant se presenta como una propuesta necesaria y refrescante. La banda se inspira en gigantes como Dream Theater, Nightwish y Muse, logrando una combinación única de arreglos complejos, melodías pegajosas y letras profundas. Su música, diversa en géneros y temáticas, promete ofrecer algo para cada oyente, desde energéticas canciones para comenzar el día hasta baladas introspectivas que tocan el corazón.
El Futuro de Adamant: Sueños y Señales
El horizonte de Adamant no se detiene en "Nueva Rosa". Con su segundo sencillo "Sueños y Señales" ya en proceso de mezcla y masterización, y nuevas canciones como "Carpe Diem" y "Decirte Adiós" en las etapas finales de producción, la banda está preparada para continuar su viaje musical. Un viaje que, como su nombre lo sugiere, se lleva a cabo con un espíritu y una voluntad inquebrantables.
Conclusión: Un Llamado a la Consciencia Colectiva
En septiembre, Adamant presentará oficialmente "Nueva Rosa" en un evento en Panamá, una celebración de la música y la consciencia que están creando. La banda no solo busca entretener, sino inspirar. En una época donde la música en español se ve dominada por lo fugaz, Adamant se compromete a ofrecer un contenido que resista el paso del tiempo, una experiencia que eleve tanto el espíritu como el corazón de quienes los escuchan.
Descubre a los Artistas Emergentes en la Música Independiente
Adamant es una manifestación de lo que significa ser artistas emergentes en el vasto universo de la música independiente. A medida que continúan su viaje, es inevitable que su sonido resuene más allá de las fronteras de Panamá, tocando a aquellos que buscan más que solo música; aquellos que buscan una conexión, una reflexión, una "Nueva Rosa" en sus vidas.
En el vasto universo de la música independiente, pocas figuras emergentes logran capturar la esencia de su arte con la misma profundidad y sofisticación que Lucas Gunner. El artista argentino, conocido por su habilidad para reinventar clásicos, nos presenta su nuevo álbum, *"Borrowed Songs Part 2"*, el segundo episodio de una saga de homenajes musicales que explora la intersección entre la nostalgia y la innovación.
"Borrowed Songs Part 2": Un Homenaje Personal a Clásicos Inmortales
"Borrowed Songs Part 2" no es simplemente una colección de versiones; es un testimonio de la pasión y el respeto de Gunner hacia los íconos que han marcado su trayectoria. Este EP incluye tres reinterpretaciones fascinantes que revelan una nueva dimensión del artista:
- "She" de Charles Aznavour: Una pieza seleccionada a partir de la influencia de Jeff Lynne, que abre un diálogo entre la sensibilidad melódica de Aznavour y la visión contemporánea de Gunner.
- "Can’t Change Me" de Chris Cornell: En esta versión, Gunner explora el terreno de las bases electrónicas, dando nueva vida a un clásico acústico con su firma distintiva como productor.
- "Patience" de Guns N’ Roses: Un tributo a la canción que acompañó los primeros pasos musicales de Gunner, evocando la nostalgia de su infancia con una reinterpretación cargada de emotividad.
Cada una de estas versiones refleja un aspecto crucial del viaje musical de Lucas Gunner, desde sus inicios como guitarrista adolescente hasta su evolución como solista y productor.
Un Viaje Desde el Rock a la Música Independiente
Lucas Gunner comenzó su carrera a una edad temprana, eligiendo la guitarra como su principal herramienta de expresión. Su primer EP, "Renacer", mostró su capacidad para combinar el rock con una sensibilidad acústica, y desde entonces, ha seguido un camino de exploración musical. Desde versiones tributo a Syd Barrett hasta la creación de sencillos exitosos como “Mi Amigo Invisible”, Gunner ha demostrado una habilidad única para fusionar influencias y estilos.
En 2023, con el lanzamiento de "Borrowed Songs Part 1"* y "Presente Continuo", Gunner consolidó su estatus en la escena de la música independiente. Estos trabajos, junto con el nuevo EP, subrayan su habilidad para mantenerse relevante mientras rinde homenaje a sus raíces musicales.
Descubre el Mundo de los Artistas Emergentes
En un panorama musical donde los artistas emergentes están constantemente redefiniendo los límites del género, Lucas Gunner se destaca como una figura que no solo homenajea el pasado, sino que también construye puentes hacia el futuro. Su habilidad para reinventar canciones icónicas con un toque moderno es un testimonio de su talento y visión artística.
Para aquellos interesados en descubrir nuevos y prometedores artistas en ascenso, "Borrowed Songs Part 2" es una invitación a explorar el mundo de la música independiente con una perspectiva fresca y apasionada. Los fanáticos de Gunner y los seguidores de la música en general encontrarán en este EP un testimonio de la evolución continua de un artista que no deja de sorprender.
Manu Estrach, el nombre que empezamos a escuchar en sus colaboraciones y proyectos previos, está aquí para deslumbrarnos con su primera aventura en solitario. Su single debut, “Secuencia del Amor”, no es solo un lanzamiento musical; es una declaración de intenciones que nos invita a un viaje sonoro donde el pasado y el presente se encuentran en perfecta armonía.
Un Tema que Explora el Amor en Todas sus Dimensiones
En “Secuencia del Amor”, Estrach nos ofrece más que una simple canción; nos regala una experiencia emocional y musical única. La canción se enraíza en la tradición de la milonga folclórica, pero se atreve a romper barreras con un sonido que también abarca pop, rock, jazz y R&B. Es una amalgama de géneros que sirve de puente entre el folklore argentino y las influencias urbanas actuales, todo encapsulado en una producción que destaca por su voz al frente, cruda y atrapante.
La letra explora los procesos amorosos de una manera introspectiva y profunda, reflexionando sobre cómo el dolor y el aprendizaje nos moldean a lo largo de nuestras vidas. Manu Estrach ha creado una pieza musical que resuena tanto en lo personal como en lo universal, un tema que te hará pensar y sentir con cada nota.
La Trayectoria de un Artista Emergente
Aunque “Secuencia del Amor” marca el inicio de su carrera como solista, Manu Estrach ya es un nombre conocido en la escena musical. Con una carrera que abarca desde la docencia hasta la participación en diversos proyectos teatrales y musicales, su experiencia y talento son innegables. Su anterior colaboración con Sebastián Tozzola en el álbum “Mundo Trampa” fue solo un anticipo de lo que estaba por venir.
En 2024, Estrach está dando pasos firmes hacia la internacionalización con una gira por España, donde ha compartido escenarios con artistas como Clara Peya y Juan Quintero. Su capacidad para conectar con audiencias en diferentes países muestra su versatilidad y su creciente influencia en la música independiente.
¿Por Qué Deberías Prestar Atención a Manu Estrach?
Si eres un amante de la música independiente y estás en busca de artistas emergentes que rompan moldes y traigan algo nuevo a la mesa, Manu Estrach es el artista a seguir. Con “Secuencia del Amor”, Estrach no solo nos ofrece un single impresionante, sino también una promesa de lo que vendrá en su álbum debut, “NOMBRARSE”
No te quedes atrás; escucha “Secuencia del Amor”, descarga el single, y prepárate para sumergirte en una experiencia musical que desafía las convenciones y te lleva a explorar nuevas fronteras sonoras.
En el mundo de la música independiente, Manu Estrach está listo para dejar una marca imborrable. ¡Sigue de cerca sus próximos movimientos, porque este artista está en ascenso y su música promete sorprendernos!
La Condena de Caín presenta su nuevo single, "Def-Ghi", producido por Juan Pablo Alfieri de Todo Aparenta Normal. La canción fue grabada en Estudios Unísono de Gustavo Cerati por Pablo "El Nono" Di Peco, mezclada en Estudio Aves y masterizada por Daniel Ovie.
Sobre “Def-Ghi”
“Def-Ghi” relata la historia de marineros sin vocación que se aventuran en un mar desconocido y son capturados por pueblos originarios del Río de la Plata. La lengua de estos pueblos usaba los sonidos “def-ghi” para representar diversas cosas, desde un pájaro hasta un grito de guerra. La canción explora estos significados a través de un sonido que combina la tradición del rock argentino con una búsqueda sonora única.
Detalles del Lanzamiento
La canción está disponible para escuchar y descargar en plataformas digitales. Además, La Condena de Caín celebrará sus 20 años de trayectoria con un show en vivo el sábado 23 de noviembre a las 20:00 horas en Uniclub. En este evento, contará con la participación especial de Juan Pablo Alfieri.
Entradas y Más Información
Las entradas para el concierto están a la venta a través del sistema AlPogo. La Condena de Caín ha compartido escenario con bandas como La Renga, Las Pelotas, El Tri (México), y ha participado en importantes festivales a lo largo de su carrera.
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