Luego de una exitosa gira por México y Colombia y tras un gran show en el Teatro Coliseo, Isla de Caras cierra el ciclo de su último disco, "Gran Turismo", con un show en Niceto Club. Este será el último concierto de la banda antes del lanzamiento y presentación de su nuevo LP, previsto para 2025.
Este año, la banda experimentó un crecimiento notable. En Colombia, tocaron junto a Clubz en Medellín y lograron un sold out en Bogotá. Luego, viajaron a México, donde realizaron su cuarta visita a Ciudad de México, Guadalajara, Toluca y Puebla, compartiendo escenario con artistas como Diamante Eléctrico, Discos Bahía, Bratty y The Citie. Durante su estancia en México, comenzaron a grabar el sucesor de "Gran Turismo" en el reconocido estudio "El Desierto", ubicado a las afueras de Ciudad de México, que ha albergado a artistas de renombre como Enrique Bunbury y Leon Bridges.
El cierre de este exitoso 2024 para Isla de Caras será el viernes 7 de diciembre en Niceto Club, con entradas disponibles en passline.com.
Isla de Caras es una banda formada en Buenos Aires en 2017, que ha construido un camino sólido con su característico sonido indie-pop. Su primer álbum, "Chango" (2018), fue reeditado en 2020 por el sello japonés P-Vine y fue destacado como una obra maestra sudamericana. En 2021, lanzaron su segundo disco, "Una Caricia", grabado entre Buenos Aires y Berlín, y presentado en una gira por Europa y América Latina. La banda ha sido parte de festivales como Cosquín Rock, SXSW y Primavera Sound Argentina, consolidándose como uno de los proyectos más interesantes de la escena independiente.
"Gran Turismo", su tercer LP, marca un paso más en su evolución artística y los llevó a una gira por Chile, Perú, Colombia y México. La banda cerrará el año con el lanzamiento de "Flores Robadas", un EP que incluye reversiones de temas propios y versiones de clásicos, como "Dame" de Luis Miguel y "Te Olvidaste" de C. Tangana, culminando con una versión de "Mi Historia Entre Tus Dedos" de Gianluca Grignani.
El show en Niceto Club marca el fin de una etapa y la expectativa por lo que vendrá en 2025.
Isla de Caras en Niceto Club, Av. Niceto Vega 5510, Ciudad de Buenos Aires. Viernes 7 de diciembre de 2024, 20:00 horas. Entradas anticipadas disponibles en passline.com.
Oliver Boo lanza "Acá Estamos", un nuevo single que, presenta ciertos momentos destacables. Este es el segundo adelanto de su próximo álbum, donde el compositor de Buenos Aires explora temas como el paso del tiempo y la reconexión con personas del pasado. La letra intenta evocar emociones de nostalgia y esperanza, pero se siente algo predecible, sin aportar demasiado en términos de originalidad o profundidad lírica.
Musicalmente, la canción juega con un contraste entre riffs de guitarra más enérgicos y estrofas melódicas. Sin embargo, esta fórmula resulta algo repetitiva y no termina de ofrecer un giro interesante que atrape por completo al oyente. A pesar de los intentos de equilibrar lo melódico con lo rítmico, "Acá Estamos" no alcanza el impacto emocional que parece buscar.
El videoclip, que acompaña el lanzamiento, refleja un viaje nocturno en auto, simbolizando los altibajos de las relaciones. Aunque la idea detrás de la narrativa visual tiene potencial, la ejecución es bastante lineal y no logra transmitir toda la carga emocional que se espera de la historia que intenta contar. Cabe destacar las actuaciones y la dirección para contar algo en el final que intenta sorprender.
Oliver Boo, con 25 años y dos álbumes previos, ha demostrado tener un enfoque introspectivo en su música, pero con "Acá Estamos" no consigue superar sus trabajos anteriores ni aportar algo realmente nuevo a su estilo. Si bien ha generado cierto interés con su anterior single "Hablar de Vos", este nuevo adelanto deja una sensación de que aún tiene espacio para evolucionar y ofrecer algo más sólido en sus próximos lanzamientos.
Rayos Láser está de vuelta con "El Fin Del Amor", el segundo adelanto de su próximo disco, y ya nos tiene a todos con altas expectativas. Esta nueva canción de pop rock llega con un riff pegadizo y una melodía que te atrapa desde el primer acorde. Si ya conocías su música, este tema sigue esa línea de letras profundas, pero con un impulso renovado, algo que la banda ha estado cultivando en su reciente gira. Y es que, aunque aún no ha salido oficialmente, ya lo están tocando en vivo, confirmando que este track capta la energía de la banda en su máxima expresión.
Producida por Mariano Otero, "El Fin Del Amor" muestra que Rayos Láser no se detiene en su evolución. Después de lanzar "Imán" en agosto, un single que ya adelantaba la nueva dirección de la banda, este segundo adelanto viene a reafirmar ese cambio. Los fans, tanto en Argentina como en Latinoamérica, ya se están contagiando de esta nueva etapa de la banda, y no es para menos.
Desde su nacimiento en 2011 en Villa María, Córdoba, Rayos Láser ha logrado consolidarse como un referente del pop rock argentino. Con giras que los han llevado a recorrer no solo Argentina, sino también países como Chile, Perú, Colombia y México, su nombre ya es familiar en los escenarios más importantes de Latinoamérica. Y su expansión no se detiene ahí: entre septiembre y octubre, están llevando su música a Europa, con fechas en ciudades como Madrid, Londres, Berlín y París, antes de regresar a México para cerrar su gira mundial.
Este próximo disco, el sexto de su carrera, promete ser uno de los lanzamientos más importantes de la banda. Con nominaciones a los Latin Grammy, MTV Europe Music Awards y Premios Gardel, Rayos Láser no solo sigue sumando millones de reproducciones en plataformas digitales, sino que se consolida como una pieza clave para entender la escena del pop actual en Argentina y Latinoamérica.
Sin duda, "El Fin Del Amor" es una parada obligada para quienes siguen de cerca a los artistas emergentes que están marcando tendencia. ¿Te lo vas a perder? Escuchalo ya en todas las plataformas y sumergite en el universo Laser.
Manu Estrach, conocido por su capacidad para fusionar géneros y explorar las raíces de la música argentina, vuelve a sorprendernos con "Solo palabras", el segundo single de su proyecto solista. Este tema, que formará parte de su álbum debut a lanzarse en octubre de 2024, nos invita a un viaje sonoro que abraza los ritmos rioplatenses como el candombe, la milonga y el tango, pero con una clara impronta contemporánea que refleja la evolución de la nueva canción argentina.
En "Solo palabras", Estrach se adentra en la dualidad entre pensamiento y acción. A través de letras que cuestionan nuestra tendencia a quedarnos atrapados en las ideas, nos habla de esa constante tensión entre lo que pensamos y lo que realmente hacemos. Como lo expresa en una de las frases más resonantes del tema: "nada importante, solo palabras, sigo cantando". Aquí, el canto se convierte en su refugio, en un medio para escapar de la sobrecarga mental y la alienación que genera el ritmo frenético de la ciudad. Es un canto que no solo libera, sino que se posiciona como el antídoto ante la neurosis y la incertidumbre de la vida urbana.
Musicalmente, la canción destaca por su capacidad de entrelazar lo tradicional con lo moderno. La presencia de géneros autóctonos se siente como una raíz profunda que sustenta una propuesta artística rica en matices y texturas, pero al mismo tiempo abierta a la experimentación con sonidos urbanos y contemporáneos. Manu Estrach demuestra que es posible honrar la herencia musical de la tierra sin dejar de innovar y dialogar con otras corrientes sonoras.
Este single no solo es un adelanto prometedor de lo que será su álbum debut, sino también una reflexión sobre cómo, en medio del ruido y las prisas, es posible encontrar en la música un espacio de calma y conexión. Una obra que invita a repensar el papel de la palabra, del canto y de la acción en nuestras vidas.
Con “Solo palabras”, Manu Estrach reafirma su capacidad de crear música con un profundo sentido de identidad, pero siempre mirando hacia adelante. Un artista que, sin duda, dará mucho de qué hablar en la escena musical argentina.
¿Listo para descubrir el poder de las palabras y el canto en tiempos convulsos? "Solo palabras" ya está disponible en todas las plataformas de streaming.
En un mundo donde la música sigue siendo uno de los canales más poderosos de expresión y conexión, Pacífica, el dúo argentino compuesto por Inés Adam y Martina Nintzel, vuelve a robarse las miradas con su nuevo EP, "Freak Scene (live)". Este 26 de septiembre, el conjunto lanzó un registro en vivo que capta toda la intensidad y emoción que sus shows en Norteamérica y Europa han generado en el último año.
Poderoso y energético, "Freak Scene (live)" es un testimonio fiel de la evolución artística de Pacífica. Su anterior trabajo de estudio ya había cautivado tanto a críticos como a fans alrededor del mundo, pero este EP va un paso más allá, mostrando una banda en pleno redescubrimiento y adaptándose al formato en vivo.
"El tour lo cambió todo para nosotras. Se siente como si las canciones tomaran una nueva vida frente al público. Tuvimos que aprender a dar shows y nos enamoramos de la energía que se comparte en el escenario", comparten las músicas, destacando la profunda conexión que ahora sienten con sus propias creaciones.
La grabación de "Freak Scene (live)" no fue un simple proceso de captura. En las palabras de las artistas, este EP es el resultado de la crudeza y el dinamismo que adquieren sus composiciones en directo. "Grabamos en el techo del lugar donde ensayábamos, donde pasamos mucho tiempo aprendiendo y creciendo. Sentimos que logramos capturar esa energía y habilitarla para todos aquellos que no pudieron asistir a nuestros shows", comenta el dúo.
Entre los seis temas originales que conforman este EP, se encuentra un regalo especial para sus seguidores: una reversión del clásico "Take on Me", de A-ha. Con esta elección, Pacífica no solo rinde homenaje a la icónica banda de los años 80, sino que demuestra su versatilidad al adaptar un tema tan emblemático a su estilo fresco y vibrante.
El ascenso de Pacífica ha sido meteórico. Desde su formación, nacida a raíz de un encuentro virtual en la era de la globalización, Inés Adam y Martina Nintzel han recorrido un camino impresionante. Lo que comenzó como una sugerencia de un internauta, hoy es uno de los proyectos más destacados de la escena musical argentina.
"Freak Scene (live)" ya está disponible, y promete ser una nueva muestra del potencial de Pacífica para perdurar en el tiempo. Con este lanzamiento, la banda reafirma su inagotable creatividad y su capacidad para transmitir emociones a través de cada acorde.
Para quienes deseen sumergirse en la propuesta de Pacífica, pueden disfrutar del cover de "Take on Me" en YouTube y escuchar el EP completo en plataformas digitales.
Pacífica está aquí para quedarse, y "Freak Scene (live)" es la prueba definitiva de ello.
En el vasto escenario de la música argentina, una banda ha comenzado a brillar con fuerza y autenticidad: Gema Rosa. Formada hace cuatro años por Fran Bellini y su hermano Gabriel, esta agrupación ha recorrido un camino lleno de experimentación y descubrimiento. La historia detrás de su nombre, un guiño a las gemas que adornan la vida, refleja su búsqueda constante de significado y conexión en cada acorde y letra que producen. Gabriel, aunque no había tocado antes, se aventuró al bajo, transformando una idea en una melodía, un viaje que, aunque breve, sentó las bases de una banda en constante evolución.
Las influencias musicales que nutren su creatividad son un mosaico sonoro: desde los inconfundibles Beatles hasta el inigualable Charly García, pasando por el hard rock de Led Zeppelin y la mística de Soda Stereo. Su estilo ha mutado con cada disco; del pop melódico del primer álbum al hard rock del más reciente, "Buscando algo más". Esta evolución no es solo un cambio de sonido, sino una reflexión sobre su propio crecimiento personal y artístico, donde cada álbum se convierte en un capítulo distinto de su historia colectiva.
El proceso creativo de Gema Rosa es íntimo y personal. Fran, en soledad, se sienta con su guitarra o piano, dejando que los acordes fluyan, dando vida a líneas melódicas que luego se transforman en letras. Cada tema es seleccionado meticulosamente, buscando una coherencia conceptual que invite al oyente a sumergirse en un universo sonoro donde la búsqueda de identidad y pertenencia se convierten en la voz de quienes lo escuchan.
"Buscando algo más" es un mantra que encapsula la esencia de su música. En él, las diez canciones exploran temas de amor, reflexión personal y el anhelo de pertenecer, resonando con aquellos que se sienten perdidos en un mundo caótico. Fran anhela que sus oyentes encuentren en sus letras un reflejo de sus propias experiencias, una conexión que trasciende el simple acto de escuchar.
La experiencia en vivo de Gema Rosa es un viaje catártico. Los integrantes saben que cada actuación es una oportunidad para construir una conexión profunda con su audiencia. Recuerdan un concierto en particular, donde el público comenzó a bailar, un momento que les recordó el poder de su música para unir y elevar espíritus. La energía del escenario se transforma en un diálogo entre ellos y sus seguidores, donde cada acorde es un latido compartido.
Como banda, enfrentan desafíos constantes, pero su mayor lucha es la originalidad. En un mundo musical que tiende a repetirse, Gema Rosa se esfuerza por evitar caer en la trampa de la complacencia. Se sienten orgullosos de haber lanzado tres discos y dos sencillos, cada uno marcando un hito en su desarrollo. Pero el verdadero objetivo, como ellos mismos dicen, es vivir de su música. A pesar de las dificultades socioeconómicas que enfrenta Argentina, su pasión por crear sigue siendo el faro que guía su camino.
La autenticidad es el núcleo de su identidad. Se esfuerzan por ser originales en un mercado diverso, donde cada melodía busca un lugar único. Su sonido, que ellos definen como "continuidad con cambio", refleja esa búsqueda de fusionar estilos mientras se mantienen fieles al rock que los inspira. Canciones como “Sinergia” y “Encuentro Casual” son ejemplos perfectos de esta fusión, donde la continuidad y la innovación coexisten en armonía.
En el álbum "Buscando Algo Más", la banda cuenta con la colaboración de Juan Rodríguez en la batería. Rodríguez, un destacado baterista del rock argentino, ha sido parte de bandas icónicas como Sui Generis y Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. Su vasta experiencia y habilidad aportan una profundidad única al sonido de Gema Rosa, elevando cada tema a nuevas alturas. Con una trayectoria que se remonta a sus inicios en Santiago del Estero, Rodríguez no solo aporta su virtuosismo, sino también una conexión con la rica historia del rock nacional.
Gema Rosa está compuesta por:
- Guitarras y voces: Fran Bellini
- Bajos: Alejandro Bellini
- Baterías: Juan Rodríguez
- Teclados: Verónica Bardy y Ariel Martín Rolando
Gema Rosa es un movimiento. Un llamado a aquellos que, como ellos, buscan algo más en la vida. Con planes de giras y nuevas canciones en el horizonte, Fran y sus compañeros están decididos a seguir expandiendo su alcance. En un mundo que a menudo se siente dividido, su música se erige como un puente, invitando a todos a unirse en esta celebración de la vida, el amor y la búsqueda de identidad.
Así, mientras el eco de sus melodías resuena en los corazones de sus seguidores, Gema Rosa continúa su viaje. Y, en cada acorde, nos recuerdan que, a pesar de las adversidades, siempre hay algo más por descubrir.
En el universo del hardcore punk argentino, pocas bandas logran capturar el caos con la misma intensidad que CUTRE. Nacida hace aproximadamente cinco años, la banda surge de las entrañas de Buenos Aires con un hambre voraz por la distorsión, la crudeza y el frenesí, elementos que llevan al límite en cada uno de sus lanzamientos. Este 26 de septiembre, CUTRE se presentará en el Club Cultural BULA junto a las bandas Sentimiento Fatal y Mil Sueños Son de Tu Adiós, en lo que promete ser una noche cargada de pura energía visceral. Allí, presentarán su más reciente trabajo: *YENDO A LO OSCURO* (2023).
Este álbum, grabado en los míticos estudios ION por Pájaro Rainoldi, representa la esencia más sombría y frenética de la banda. Gonzalo Pérez, para Maximum Rockanroll magazine, describió el sonido de CUTRE como "sombrío, frenéticamente enojado y desquiciante, distorsionado y abrasivo hardcore punk crudo y clásico, con un toque lóbrego y furioso". Cada acorde, cada grito de Diente, su vocalista, parece arrancado de lo más profundo de un caos inminente, garantizando que con CUTRE, el desorden está asegurado.
El 2024 traerá una edición especial del álbum en un hermoso vinilo marmolado de 7 pulgadas, coeditado con Tvmbalavalla Discos e Inocencia Discos de Uruguay, bajo el sello Hamilton Records. Este lanzamiento no es solo una obra musical, sino una pieza de arte tangible, que refleja la estética artesanal y autogestiva que ha caracterizado a CUTRE desde sus inicios.
El recorrido de la banda incluye lanzamientos que destacan por su carácter autoeditado y su fidelidad al formato analógico. Desde su demo *Inconscientes* en 2018 hasta el split en vinilo de 7" junto a Parce en 2023, editado por Tvmbalavalla Discos en España, CUTRE ha sabido crear una trayectoria que combina la pasión por el DIY con un sonido potente y abrasivo.
Integrada por Fede en guitarra (Avernal, Medium), Leito en bajo (ex Motosierra, Setiembreonce), Tincho en batería (ex Camiones en la Casa, Vil Murra) y Diente en voz (ex Úlcera), CUTRE plasma en su música una visión conjunta de lo que el hardcore punk debe ser: visceral, honesto y sin concesiones.
Si estás buscando descubrir a una de las bandas emergentes más destacadas de la escena HC punk, no te pierdas la oportunidad de ver a CUTRE en vivo este 26 de septiembre. La noche en BULA promete ser una explosión de energía pura, en la que el caos, como siempre, será el protagonista.
La escena del rock argentino nunca se ha rendido del todo. Mientras los géneros urbanos inundan la radio y las listas de reproducción, en alguna esquina desprolija de Buenos Aires, un grupo de jóvenes vestidos con jeans rotos está sacudiendo el polvo del rocanrol, reviviendo esa energía que alguna vez dominó la ciudad. Ryan, una banda formada en 2018, está lista para dar un golpe sobre la mesa con "Vaqueros," su segundo álbum de estudio, que promete ser un verdadero manifiesto de lo irreverente.
Vaqueros: El Rock como Refugio
Luego de varios adelantos como No los pueden separar, Yo me quedo, y Todo el Bien, Ryan nos trae “Vaqueros”, un disco que suena tan crudo y desprolijo como los jeans que le dan nombre. Producido por Ale Vázquez, el álbum encapsula catorce canciones llenas de energía juvenil y un descaro que resulta refrescante en una escena saturada por la perfección del mainstream.
El título no es casual. "Vaqueros" representa la resistencia, las imperfecciones y la autenticidad. En un tiempo donde lo digital reina, Ryan abraza el CD, la presentación en vivo, y el desorden que conlleva ser joven y desafiar las reglas. Su sonido, frenético y lleno de guitarras, evoca una nostalgia que solo los verdaderos amantes del rock pueden apreciar, pero con un toque contemporáneo que conecta con las nuevas generaciones.
El Rock Renace en el Corazón de Buenos Aires
Frente a un panorama musical que prioriza el consumo rápido y las canciones virales, Ryan se atreve a ser diferente. En lugar de seguir las corrientes urbanas, han optado por abrazar las guitarras distorsionadas, las melodías pegajosas, y una estética que mezcla rebeldía con dulzura. Esta propuesta fresca les ha permitido conectar con un público que, aunque silenciado por las tendencias, sigue buscando ese sonido visceral que solo el rock puede ofrecer.
Y es que Ryan no solo es una banda de estudio. El 17 de octubre, la agrupación presentará oficialmente Vaqueros en Niceto Club, un show que promete consolidar su posición en la escena local. Pero eso no es todo. El calendario de la banda está cargado de fechas que los llevarán fuera de las fronteras de Argentina: Montevideo el 20 de octubre junto a Ete & Los Problems, y luego Córdoba y Villa María en noviembre.
La Historia de Ryan: Juventud y Provocación
Formada en Buenos Aires en 2018, Ryan se ha construido a pulso. Dante Citara, con su voz líder, ha sabido comandar un proyecto que no se queda quieto. Junto a Catalina Banega en el bajo, Sebastián Venezia y Valentín Moura en las guitarras, y Agustín De Cousandier en la batería, han conseguido un sonido único, mezcla de furia juvenil y sensibilidad melódica.
Su álbum debut, Bar´celona, lanzado en 2021, ya había marcado un precedente con temas como Poné un Disco y Julieta. Al año siguiente, con la incorporación de nuevos miembros, publicaron el EP Mil Partes, que incluía las vibrantes Capaz y No es una novela. Ahora, con Vaqueros, Ryan consolida su lugar como una de las propuestas más auténticas y apasionadas de la escena emergente del rock argentino.
Un Rocanrol que No Pide Permiso
Ryan es más que una banda. Es el reflejo de una generación que, sin pedir permiso, está escribiendo su propia historia. Una historia llena de acordes desordenados, de letras que hablan de lo cotidiano pero también de lo eterno, y de una actitud desafiante frente a un mundo que parece haber olvidado lo que significa ser joven y libre.
Así que si estás buscando algo diferente, si te cansaste del sonido predecible de las radios, Ryan es tu banda. Vaqueros es tu disco. Porque en cada rotura, en cada acorde, y en cada presentación en vivo, ellos están recordándonos que el rock sigue más vivo que nunca, solo que ahora está vestido de jeans rotos y lentes de sol.
En el entramado vibrante de la música contemporánea, pocos álbumes logran captar la esencia de la introspección y la dualidad humana con la profundidad que lo hace “Todo Lo Que Se Acerca de Nada”, el más reciente trabajo de Chucky Limón. Grabado en el frío estudio casero de Kreuzberg, Berlín, este álbum es un viaje visceral a través de las sombras y luces del alma humana, una experiencia sonora que remite a la esencia misma de la existencia.
Limón, músico argentino que ha tejido su trayectoria entre Buenos Aires y Berlín, se adentra en una exploración de la oscuridad interna, un tema que transciende el simple entretenimiento para convertirse en una reflexión filosófica. “Todo Lo Que Se Acerca de Nada” no es solo un álbum, sino un manifiesto de reconciliación con nuestros demonios personales y una meditación sobre la absurda dualidad del bien y el mal. La audacia de su propuesta reside en la aceptación de la contradicción y la imperfección, un acto de valentía en un mundo que a menudo rechaza la complejidad de la naturaleza humana.
La música de Limón, que evoca las sombras de Charly García y Luis Alberto Spinetta, se entrelaza con elementos del punk y el rock alternativo, mientras que el legado de The Beatles le da un matiz de melancolía y riqueza melódica. La obra se desenvuelve con una intensidad que nos invita a confrontar el dolor y el placer, donde el hielo quema y el sufrimiento se transforma en una especie de redención. En “El Vino es La Verdad”, Limón canta con un tono desgarrador, reflejando la paradoja de obtener lo que se busca solo para encontrar un vacío inesperado.
La producción de Chucky Limón, que se encarga de la mayoría de los instrumentos con excepción de los solos de guitarra, refleja una meticulosidad que da vida a una visión artística profundamente personal. Su habilidad para combinar influencias tan diversas como el rock argentino y el indie border con la precisión del rock clásico da lugar a una creación sonora que desafía las convenciones y establece un diálogo íntimo con el oyente.
Este álbum, su segundo trabajo en solitario de 2024, sigue a “Grabaciones Piratas”, un proyecto que, a pesar de su brevedad y energía, demuestra la capacidad de Limón para experimentar con diferentes formas musicales. “Todo Lo Que Se Acerca de Nada” es un paso más en su evolución artística, marcando un contraste con el vigor de su trabajo anterior al ofrecer una reflexión más profunda y contemplativa.
A medida que Limón continúa su travesía musical, tanto en Europa como en su tierra natal, su influencia y dedicación a la música independiente siguen creciendo. Con el sello TuVieja Records, fundado en Buenos Aires y operado desde Berlín, y su banda Euphoric Elephants, Limón mantiene una presencia activa en la escena musical, preparando el terreno para futuras presentaciones en Sudamérica que prometen consolidar su legado.
Para aquellos que buscan sumergirse en una experiencia musical que va más allá de lo superficial, “Todo Lo Que Se Acerca de Nada” es una oportunidad para explorar la complejidad de la humanidad a través del arte. Escucha el álbum en Spotify y no te pierdas el video de “Pedazo de infinito” para una inmersión completa en el universo sonoro de Chucky Limón.
MAGIOS, la banda de electro-pop oriunda de Avellaneda, se embarca en un nuevo capítulo de su carrera con una versión propia de "Yo Te Diré", el icónico hit de Miranda. Este lanzamiento, muy esperado por sus seguidores, marca una transición significativa en el sonido del grupo y se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, tras haber sido parte fundamental de su setlist en vivo.
Desde sus inicios en 2018, MAGIOS ha recorrido un camino lleno de experimentación y pasión, llevando su sonido a distintos rincones de Buenos Aires y más allá. Su álbum debut, "Presente", lanzó a la banda al escenario nacional con una propuesta versátil que fusiona el pop experimental con el techno. Ahora, el grupo presenta una versión renovada del clásico de Miranda, imbuida con un toque personal que resuena con la esencia de MAGIOS.
El nuevo "Yo Te Diré" se distingue por un enfoque más oscuro, rockero y electrónico, evocando el estilo de Nine Inch Nails, una de las influencias más notables en su evolución sonora. La reimaginación de este hit no solo refleja el crecimiento musical de MAGIOS, sino también su capacidad para transformar y reinventar lo familiar, añadiendo un giro agresivo pero a la vez seductor que ha cautivado a su audiencia en sus presentaciones en vivo.
Este lanzamiento llega en un momento clave para MAGIOS, justo antes de su próximo show el 20 de septiembre en La Tangente, donde compartirán escenario con Homogénica. La canción ha sido una de las más solicitadas por el público durante su tour “Conurbano For Export” y ha demostrado ser un elemento fundamental en su repertorio. El hecho de que ahora esté disponible en todas las plataformas digitales es un testimonio de la demanda y el aprecio que el público tiene por esta versión.
Mientras la banda se prepara para cerrar la etapa del álbum "Presente", también se enfoca en la producción de su segundo trabajo, previsto para 2025 bajo la dirección del productor Camilo Froideval. Este nuevo proyecto promete explorar nuevas facetas del sonido de MAGIOS, llevando su estilo a nuevas dimensiones y consolidando su lugar en la escena musical argentina.
Tras ocho años de silencio creativo, Rotundo Juan irrumpe nuevamente en la escena musical argentina con un EP que lleva por nombre "Segundos afuera". Este trabajo, que fusiona el folk intimista con la energía del punk y la psicodelia, se presenta como una obra cargada de fuerza y sensibilidad, donde las guitarras callejeras se entrelazan con máquinas de ritmo, creando un paisaje sonoro tan diverso como sus influencias.
En este nuevo lanzamiento, Rotundo Juan explora un amplio espectro de géneros, cruzando la irreverencia del brit-pop con la melancolía propia del Río de la Plata. Esta combinación resulta en un álbum que amalgama melodías pegadizas con letras cargadas de crítica y reflexión. La producción, a cargo de Diego Acosta y auspiciada por Gori, se caracteriza por una energía vibrante que contrasta con la realidad dura de las letras.
"Segundos afuera" es un viaje a través de emociones complejas y experiencias cotidianas. Con temas como “Indio” y “El Jonatan”, el EP nos presenta personajes del imaginario popular que cobran vida a través de la música. Por otro lado, canciones como “La Causa” y “Días contados” nos invitan a enfrentar nuestros propios desafíos y ansiedades.
El EP no solo destaca por su diversidad musical, sino también por la profundidad de sus letras. Rotundo Juan aborda temas como la falta de proyección, el desamor y las crisis existenciales con un lirismo que recuerda a bandas como Los Prisioneros y Fother Muckers. Su estilo poético y directo nos sumerge en una atmósfera de introspección y resistencia.
Con la participación especial de Diego Martínez, Héctor Zuñiga, Francisco “Mocho” Orio, Juan Pablo Coronel y Esteban Atela, "Segundos afuera" marca el regreso de Rotundo Juan con una propuesta fresca y potente. Este EP no solo es una celebración de la música, sino también una invitación a la reflexión sobre la vida y sus múltiples facetas.
Rotundo Juan ha demostrado, una vez más, su capacidad para mezclar la crítica social con la poesía, creando un trabajo que es tanto un grito de rebeldía como un susurro de esperanza.
En la vasta constelación del nu-gaze argentino, un nombre resuena con la intensidad de un cometa que cruza los cielos nocturnos: Zoe Mya. Su nuevo videoclip, "Lejos de Acá", no es solo una obra audiovisual, es un portal hacia otro mundo, un rincón donde la música y la imagen se entrelazan en una danza hipnótica de luz y sombra. Grabado en el mítico escenario de La Tangente, cada fotograma es un susurro de la noche, una confesión de las emociones que bullen tanto sobre las tablas como en el alma del público que la acompaña.
"Lejos de Acá" es más que un título; es una declaración de intenciones. Es el anhelo por un refugio que existe más allá de lo cotidiano, un rincón en el universo donde la paz es posible. En este primer track de su álbum *En Otro Lugar del Mundo*, Zoe nos lleva de la mano en un viaje de liberación, donde cada acorde es una chispa que incendia lo conocido, abriendo caminos hacia nuevos horizontes.
El videoclip, dirigido por la misma Zoe Mya, con la colaboración visual de @quienescconstanza y @joacogen en la edición, captura no solo la esencia de la canción, sino también la magia del momento. Es un testimonio visual de una noche en la que el tiempo pareció detenerse, donde la realidad se diluye para dar paso a un mundo construido por las notas de una guitarra y el pulso de una batería rebelde.
Zoe Mya se consolida como una de las voces más auténticas del nu-gaze argentino, tejiendo con maestría melodías etéreas que, sin embargo, llevan el peso de una historia profunda, de una nostalgia que no se resigna a ser melancolía. Su música ha recorrido durante este 2024 los escenarios más emblemáticos del underground argentino, desde los barrios porteños hasta la costa atlántica, construyendo un puente sonoro que conecta su universo personal con el de sus seguidores.
Con *En Otro Lugar del Mundo*, Zoe Mya no solo invita a escuchar su música; nos invita a ser parte de un viaje, a perdernos y reencontrarnos en sus paisajes sonoros. Y tal vez, al final de ese viaje, también nosotros encontremos nuestro "lejos de acá".
En la encrucijada de la música independiente, donde convergen pasión, talento y la inquebrantable búsqueda de autenticidad, se erige Koino Yokán, un dúo que ha sabido esculpir su nombre en la vasta geografía del sonido contemporáneo. Formado en 2018 por Toto y Jere, Koino Yokán no solo ha sobrevivido a la vorágine de la industria musical, sino que ha prosperado, estableciéndose como una de las propuestas más frescas y emotivas del panorama musical argentino.
El Ascenso Imparable: De las Provincias a los Escenarios Internacionales*
Con un millón de oyentes mensuales en Spotify y millones de reproducciones en YouTube, Koino Yokán ha logrado lo que muchos artistas emergentes solo sueñan: figurar entre las 100 canciones más escuchadas de Argentina y Uruguay. Este reconocimiento no es casual; es el fruto de un arduo trabajo y de una conexión profunda con su audiencia. En los últimos meses, el dúo ha recorrido el mundo, llevando su música desde México hasta España, pasando por Chile, Uruguay y casi todas las provincias argentinas, agotando entradas en cada parada de su gira.
Un Show Único y el Lado Íntimo de Koino Yokán
El 12 de octubre, Koino Yokán se prepara para ofrecer un espectáculo singular en el Complejo Art Media de Buenos Aires. Este no será un concierto ordinario, sino una experiencia inmersiva donde los fans podrán disfrutar de su música en un entorno íntimo y personal. La elección del "campo" como único espacio para los espectadores promete una conexión directa y sin barreras, creando un "mar de gente" que, como ellos mismos dicen, será parte esencial del show.
Pero el viaje no termina aquí. Koino Yokán ha lanzado recientemente su single "Cambiando La Mirada", una emotiva dedicatoria al primer hijo de Toto que está por nacer. Este tema, que ha resonado profundamente entre sus seguidores, se ha convertido en un éxito viral en solo dos meses. Además, el dúo está a punto de editar su esperado álbum en vivo, grabado en el icónico Gran Rex, un hito más en su ascendente carrera.
"La Sobremesa": Un Portal a la Intimidad Musical
Como si todo esto fuera poco, Koino Yokán nos invita a un nuevo proyecto: "La Sobremesa". Este portal de sesiones en vivo, disponible en YouTube, nos lleva a un espacio donde la música y la camaradería se encuentran. En su primer episodio, el dúo se une a Cruzando el Charco para compartir una velada entre vinos, cafés y guitarras, interpretando versiones acústicas de sus temas más icónicos. Esta serie de colaboraciones continuará con la participación de artistas como Silvestre y la Naranja, El Zar, Los Pericos y Gauchito Club, prometiendo momentos únicos de conexión y creatividad.
Koino Yokán es más que un dúo; es un fenómeno que redefine los límites de la música independiente, llevando su mensaje a través de fronteras y corazones. Su próxima presentación el 12 de octubre será, sin duda, un capítulo inolvidable en una historia que recién comienza.
En un rincón del vasto mapa sonoro de Argentina, Agustín Dettbarn emerge con un disco que lleva su propio nombre, "Dettbarn". Este título es una declaración de principios, una carta de presentación que resume años de búsqueda, de lucha y de crecimiento en la música independiente.
Dettbarn, un nombre que ahora resuena con fuerza en el circuito de artistas emergentes, ha sabido tallar su identidad con paciencia y precisión. Luego de conquistar escenarios en La Plata y Quilmes, su voz y su guitarra han trazado un camino que lo llevará a la mítica sala de Niceto Club en Buenos Aires, donde el 6 de septiembre presentará oficialmente su nuevo disco.
"Dettbarn" es un conjunto de ocho canciones, un mosaico de sonidos que abarca desde el rock hasta la música urbana, pasando por influencias tan diversas como el pop y el folk. Cada tema es un fragmento de la esencia de Dettbarn, meticulosamente producido y arreglado junto a Matias J Olmedo, en el acogedor Estudio El Zumbido. Desde la intensidad de "5 Minutos", con la colaboración de Superpiba, hasta la delicadeza de "Mandarine", producido por Gabriel Luch, cada canción ofrece una perspectiva distinta del universo sonoro que Agustín ha creado.
Detrás de este álbum, hay un equipo comprometido: Matías J Olmedo en la producción, Facundo Lizondo grabando baterías en Mirifico, y Lucas Gomez en el masterizado, todos colaboran para dar vida a una obra que refleja tanto la precisión técnica como la pasión artística. Las imágenes que acompañan este lanzamiento, obra de Pau Vazquez Presta y Agu Alcora, son el complemento visual perfecto para la música, fusionando arte y sonido en un solo concepto.
La historia de Dettbarn como solista comenzó en 2021, un salto al vacío después de 18 años siendo parte de bandas como Cinemática y Esa Extraña Forma. Su primer lanzamiento, "Vestido", fue un adelanto de lo que estaba por venir: un estilo que combina el intimismo del cantautor con la energía de una banda en pleno vuelo. Luego, en 2022, "Desnudo" trajo una colección de canciones acústicas, un reflejo más profundo y personal que capturó la atención de la escena platense.
Dettbarn no se ha quedado en la grabación; ha llevado su música a los escenarios, donde la dualidad de su propuesta se manifiesta en formato eléctrico y acústico. Su versatilidad lo ha llevado a recorrer desde pequeñas salas en La Plata hasta el imponente Teatro Astral en Buenos Aires, siempre con la misma entrega y pasión.
Con "Dettbarn", Agustín se consolida como una de las voces más prometedoras de la música independiente argentina. Su nuevo disco es un viaje sonoro que invita a descubrir lo mejor de la escena emergente, donde cada canción es una puerta a un mundo nuevo, lleno de historias y emociones.
Así que, si estás buscando a los próximos artistas que definirán la música de esta generación, no busques más. "Dettbarn" es una parada obligada en tu exploración de la música independiente. No te pierdas la presentación en vivo el 6 de septiembre en Niceto Club, donde la promesa se convertirá en realidad.
En un rincón de Buenos Aires, en el corazón de San Miguel del Monte, donde las aguas quietas de la laguna reflejan historias y anhelos, surge una voz que resuena en la vastedad del tiempo: Lettieri. La banda, que lleva el apellido de su fundador, Juan Pablo Lettieri, ha recorrido un sendero musical tan diverso como las culturas y épocas que Borges amalgamaba en sus relatos. Este agosto de 2024, Lettieri lanza su último sencillo, “No me digan”, una obra que trasciende el homenaje y se convierte en un rito de comunión entre la memoria y el olvido.
“No me digan”, lanzado el 15 de agosto, es más que una canción; es un lamento, un acto de resistencia ante la imposición del silencio frente a la pérdida. Escrita al día siguiente de la muerte de Diego Armando Maradona, el ídolo inmortalizado no sólo por sus goles sino por su esencia, la canción encapsula la paradoja de ser aclamado y vilipendiado a la vez, una dicotomía que Maradona encarnó como pocos.
La lírica de Lettieri no se detiene en la superficialidad del tributo fácil. En cambio, ofrece una mirada cruda y reflexiva, presentando a Diego como un monstruo, una figura que provoca incomodidad, no por sus hazañas, sino por su mera existencia en un mundo que preferiría negar su procedencia, su aspecto, su modo de vida. Sin embargo, en esa monstruosidad se descubre también la humanidad más visceral, la que se aferra a sus raíces y a sus convicciones, pese a la adversidad.
La canción se refuerza con la colaboración de Tom Quintans, voz de la banda indie Bestia Bebé, cuya interpretación añade una capa de intensidad que complementa la emotividad de la pieza. “No me digan” no es simplemente un homenaje, es un grito colectivo que resuena en aquellos que se niegan a aceptar la ausencia, en aquellos que ven en Maradona una figura universal, un arquetipo de lo inabarcable.
El videoclip, disponible en YouTube, narra dos historias paralelas que se entrelazan en un solo destino: la noticia de la muerte de Maradona irrumpe en la rutina diaria de un hombre, mientras un grupo de chicos juega al fútbol en un potrero, replicando la imagen primigenia del ídolo, la esencia misma del deporte como refugio y esperanza. Esta dualidad refleja la herencia que Diego dejó en cada rincón del planeta, desde los grandes estadios hasta los humildes potreros.
Lettieri, con una discografía que incluye el LP “Canciones de la laguna” y el EP “Dragón”, sigue explorando los confines de la canción como vehículo de emociones auténticas. En su música convergen el folk, el indie, el pop y las raíces del folklore argentino, creando un paisaje sonoro que invita al oyente a sumergirse en un viaje de introspección y reconocimiento.
Próximos Encuentros:
La banda, que se ha consolidado como un referente del folk pop y del indie en Argentina, presentará “No me digan” en una serie de conciertos que incluyen fechas en la Ciudad de Buenos Aires, La Plata y Tandil, entre otras. Cada presentación promete ser un encuentro íntimo, donde la música y la memoria se entrelazan en un ritual de conexión profunda.
Lettieri: Soldados de la Canción
Lettieri no es solo una banda; es un estandarte de autenticidad y pasión. En cada acorde, en cada verso, late el pulso de un proyecto que, desde su nacimiento en 2017, ha sabido captar la esencia de lo que significa ser un artista independiente en un mundo saturado de artificios. La autenticidad de Lettieri es su carta de presentación, un recordatorio de que la música, en su forma más pura, es un acto de fe y de resistencia.
Con “No me digan”, Lettieri nos invita a recordar, a sentir, y sobre todo, a no ceder ante la indiferencia. Porque, en las palabras de Borges, "Nada se edifica sobre la piedra, todo sobre la arena, pero nuestro deber es edificar como si fuera piedra la arena...". Y así, Lettieri edifica su música sobre el recuerdo, sobre el mito, sobre la vida misma.
Marki, un joven músico argentino, ha lanzado su primer álbum titulado *YASS*. Compuesto por 14 canciones, este trabajo se grabó durante 2023 entre Argentina y Estados Unidos, con la colaboración de varios músicos y productores. *YASS* es un reflejo del estilo ecléctico de Marki, abarcando géneros que van desde el jazz hasta el hip hop y el hard rock, en un intento por capturar la esencia de su diversidad musical.
El álbum tiene una duración de 40 minutos y está acompañado por un cortometraje realizado por Arena Colective. Este audiovisual recorre el concepto de una celebración familiar, dividido en 14 visualizers que complementan cada canción, ofreciendo una experiencia visual y sonora.
Sobre Marki: De Once al Indie Argentino
Nacido en el barrio de Once en 1996, Marki creció rodeado de música gracias a su abuelo italiano, quien le inculcó el amor por los sonidos desde muy joven. Influenciado por la música clásica italiana, así como por bandas anglo y del rock nacional, Marki comenzó a componer a los 12 años y a tocar en diversas bandas durante su adolescencia.
Durante la pandemia, Marki empezó a grabar y compartir sus propias canciones de manera independiente en Spotify, lo que le permitió ganar un pequeño pero fiel grupo de seguidores. Su estilo sincero y directo lo ha llevado a colaborar con otros artistas como Axel Fiks, con quien lanzó "Musikita del Cielo", un hit que resonó en el verano pos-pandemia.
YASS es un paso más en la carrera de Marki, quien sigue explorando nuevos sonidos mientras mantiene su identidad musical intacta.
La escena musical independiente de Buenos Aires está vibrando con el lanzamiento del nuevo single de Rama Empanada, titulado "Pueyrredón". Este proyecto solista de Ramiro Antelo continúa consolidándose como uno de los más prometedores en el panorama actual, combinando elementos del pop y el rock con un estilo distintivo que él mismo denomina “pop rolinga”.
Conoce a los Jóvenes Artistas: Rama Empanada y su Apuesta por el "Pop Rolinga"
Rama Empanada redobla su apuesta con "Pueyrredón", una canción que fusiona lo pulcro y pegadizo del pop con la suciedad y los bordes filosos del rock. Con influencias claras de bandas como Miranda y The Strokes, "Pueyrredón" narra la historia de un amor hipotético imaginado por un pasajero del subte B de Buenos Aires. Esta narrativa, envuelta en melodías contagiosas y riffs poderosos, ofrece una experiencia auditiva única que captura la esencia del “pop rolinga”.
Descubre los Talentos Emergentes: El Viaje Musical de Rama Empanada
Ramiro Antelo, el talento detrás de Rama Empanada, comenzó su carrera musical en el circuito de Rosario, presentándose en lugares emblemáticos como El Distrito Siete, Berlin y Bar Capitán. Desde su reubicación en Buenos Aires en 2021, Ramiro ha llevado su música a diversos venues de la capital, incluyendo El Emergente, Moscú, Matienzo, Club Cultural Bula, El Oceanario y Batacazo Cultural.
Rama Empanada se ha destacado por su capacidad para combinar lo mejor de ambos mundos: la pulcritud y el atractivo del pop con la crudeza y la energía del rock. Su lema, “pop rolinga”, encapsula esta dualidad, ofreciendo a los oyentes una propuesta fresca y emocionante que no teme explorar nuevas fronteras musicales.
Para aquellos interesados en descubrir y apoyar a artistas emergentes y la música independiente, "Pueyrredón" de Rama Empanada es una pieza imprescindible. Este single no solo ofrece una ventana a la creatividad y el talento de Ramiro Antelo, sino que también subraya la importancia de la autenticidad y la exploración artística en la música contemporánea.
La noche del 2 de agosto, Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad nos regalaron una nueva joya musical: "Pensamientos Intrusivos". Esta canción, disponible en todas las plataformas digitales, se presenta como una profunda reflexión sobre los desafíos existenciales modernos, capturando la esencia de esos días en los que la existencia parece una lucha constante.
La Nueva Onda de los Artistas Emergentes
Alan Sutton, líder de la banda, describe "Pensamientos Intrusivos" como una "foto" de un momento de tristeza, una imagen congelada en el tiempo que encapsula la vulnerabilidad humana. "Vivir es difícil, sin duda. El mamífero que somos ha transformado la supervivencia animal en supervivencia existencialista y abstracta que jamás nos dejará satisfechos", comenta Alan. Esta sincera confesión nos lleva a un viaje emocional, recordándonos que, aunque las emociones sean pasajeras, siempre hay un rayo de luz en medio de la oscuridad.
Con este lanzamiento, Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad continúan consolidando su posición en la escena de la música independiente. Su tercer álbum, "Algo Tiene Que Cambiar", lanzado en 2023, ha sido un éxito rotundo, llevando a la banda a realizar numerosos shows internacionales y ganando nuevos seguidores alrededor del mundo.
Descubre los Talentos Emergentes: El Ascenso de Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad
El lanzamiento de "Pensamientos Intrusivos" es solo el preludio de un evento monumental en la carrera de la banda: su primer concierto en el icónico Estadio Obras de Buenos Aires el 10 de agosto de 2024. Este concierto no solo marca un hito significativo para la banda, sino que también reafirma su relevancia en la música contemporánea. El Estadio Obras, conocido por albergar a numerosos artistas de renombre, será testigo del ascenso de Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad a nuevas alturas.
Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad surgieron del encuentro entre el músico callejero Alan Sutton y el productor Jerónimo Romero. Juntos, han construido una carrera basada en la autenticidad y la exploración musical. Cada canción de la banda es un viaje distinto, lleno de identidad y un universo sonoro propio. La mezcla única de crítica social, existencialismo y optimismo ha resonado profundamente con su audiencia, llevándolos a consolidar su posición en la escena musical internacional.
Para aquellos interesados en descubrir y apoyar a artistas emergentes y la música independiente, "Pensamientos Intrusivos" de Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad es una pieza imprescindible. La canción no solo ofrece una ventana a las luchas existenciales modernas, sino que también subraya la importancia de la autenticidad y la expresión artística en la música contemporánea.
Evento Destacado:
- Fecha: Sábado, 10 de agosto
- Lugar: Estadio Obras, Av. Del Libertador 7395, CABA
En un año que promete ser inolvidable para la música independiente, Delfina Campos se destaca como una de las artistas emergentes más vibrantes de la escena argentina. Su reciente lanzamiento, "PELÍCULAS PERDIDAS", es un testamento a su crecimiento artístico y a su capacidad para sorprender y deleitar a su audiencia.
Un Viaje Sonoro con PELÍCULAS PERDIDAS
"PELÍCULAS PERDIDAS" es un disco que combina el pop-rock con una energía y potencia que capturan la esencia de Delfina Campos. Las baterías pulsantes y las guitarras eléctricas crean un sonido contemporáneo y orgánico, guiado por la voz distintiva de Campos. La artista buscó que el disco reflejara cómo quería que se sintiera en vivo, priorizando la dinámica y la sensación sensorial sobre cualquier otro aspecto.
Colaboraciones Estelares
El álbum cuenta con la participación de Hilda Lizarazu en uno de los tracks y la colaboración del legendario letrista Cuino Scornik en varios temas. Estos elementos aportan un toque de rock nacional, con referencias que aparecen como migas de pan a lo largo del disco.
El Proceso Creativo
El título "PELÍCULAS PERDIDAS" tiene un origen personal y evocador. Muchas de las canciones surgieron de notas de voz que Campos encontró en su celular, ideas perdidas en el tiempo que finalmente cobraron vida. El disco también se destaca por su cualidad cinematográfica, donde cada canción puede ser vista como una película en sí misma.
Temas y Reflexiones
El disco es franco y ligero, abordando con humor y irreverencia las paradojas del amor y el sexo, cuestionando los imperativos del amor romántico. Tracks como "Balada para el fin del mundo", "Películas perdidas" y "Querernos bien otra vez" muestran la faceta más sensible de Campos. El álbum cierra con "500 años luz", un track que amplía la perspectiva hacia cuestionamientos existenciales.
Presentación en Vivo
Delfina Campos presentará "PELÍCULAS PERDIDAS" en Niceto Club el 27 de septiembre. Este evento promete ser un hito en su carrera, ofreciendo una experiencia en vivo que refleja la energía y el dinamismo del disco.
Delfina Campos es una fuerza emergente en la música independiente, y "PELÍCULAS PERDIDAS" es una obra que consolidará su lugar en la escena musical. Su habilidad para combinar sonidos potentes con letras introspectivas y colaboraciones estelares hace de este álbum un imperdible para cualquier amante del pop-rock y los artistas emergentes.
La escena de la música independiente está a punto de ser sacudida por un nuevo lanzamiento de RYAN, una banda emergente que está redefiniendo el rock alternativo en Argentina. Formada en Buenos Aires en 2018, RYAN ha capturado la atención de la audiencia con su estilo energético y sus melodías pegajosas, características que se hacen aún más evidentes en su último sencillo doble, “Yo Me Quedo / Todo El Bien”.
Artistas Emergentes: RYAN en el Escenario de la Música Independiente
La palabra clave "artistas emergentes" resuena con fuerza cuando hablamos de RYAN. Esta banda ha demostrado ser una fuerza a tener en cuenta desde su formación. En su nuevo sencillo, grabado en el legendario estudio Romaphonic, RYAN explora distintas facetas musicales sin perder su esencia garagera. Este doblete sirve como un adelanto del próximo álbum de 14 canciones que promete llevarnos en un viaje emocional y sonoro.
Yo Me Quedo / Todo El Bien: Un Dúo de Contrastes Musicales
El sencillo doble "Yo Me Quedo / Todo El Bien" muestra la versatilidad de RYAN de manera impresionante. "Yo Me Quedo" es una explosión catártica, con influencias de bandas como The Libertines y Arctic Monkeys. Su energía cruda y su ritmo frenético capturan la esencia del rock alternativo moderno. Por otro lado, "Todo El Bien" ofrece un contraste melancólico y tierno, demostrando que la banda también puede tocar fibras emocionales más suaves sin perder su autenticidad.
Un Vistazo al Pasado y Futuro de RYAN
Desde su debut con **Bar’celona** en 2021, que incluye hits como ‘Poné un Disco’ y ‘Julieta’, hasta su EP de 2022, **Mil Partes**, con canciones como ‘Capaz’ y ‘No es una novela’, RYAN ha mostrado una evolución constante. Su estilo se caracteriza por guitarras frenéticas y melodías que se quedan en la mente del oyente. El 2023 los vio lanzar un EP en vivo que incluía una versión de “Peluquería”, consolidando aún más su presencia en la escena musical.
Créditos del Videoclip
El videoclip de "Yo Me Quedo" es una pieza visual que acompaña perfectamente la energía de la canción. Dirigido por Lautaro Cabeza Gasparpolar, con la producción ejecutiva de Martín Szereszewsky y la producción general de Lucía Malde, el video encapsula la esencia de RYAN y su propuesta musical.
Conoce a los Jóvenes Artistas: El Corazón de RYAN
Con una alineación que incluye a Dante Citara (voz líder), Catalina Banega (bajo y voz), Sebastián Venezia (guitarra), Valentín Moura (guitarra) y Agustín De Cousandier (batería), RYAN está preparado para dejar una marca indeleble en la música independiente. Su combinación de juventud y talento los coloca como uno de los artistas emergentes más prometedores del momento.
En resumen, si estás buscando descubrir talentos emergentes en la música independiente, RYAN es una banda que no puedes dejar pasar. Su nuevo sencillo doble "Yo Me Quedo / Todo El Bien" es solo un vistazo de lo que está por venir en su próximo álbum de estudio. Mantente atento a estos jóvenes artistas que están destinados a transformar el panorama musical con su energía y creatividad inigualables.
